E s p a c i o N o t a s

Los países que más usan energía solar

2012-01-02T14:46:00.000-03:00

Los países que más usan energía solar

Poco a poco, como con temor, las naciones del mundo van migrando sus fuentes de energía tradicionales a otras más limpias. En la actualidad una de las más utilizadas dentro de este grupo es la energía solar, una forma de producir electricidad en la que algunos países han hecho avances realmente notables. Te contamos cuales son los que más la utilizan, que porcentaje de la energía que consume el planeta proviene de esta fuente, y especulamos un poco sobre el futuro de esta tecnología.

No hay dudas que la generación de energía eléctrica mediante la quema de combustibles fósiles -básicamente carbón, gas o petróleo- constituye una práctica que en no muchos años será abandonada, y reemplazada por otras fuentes. Este hecho seguramente no tendrá lugar por una cuestión ecológica (lamentablemente) sino económica: aunque hoy resulta rentable producir electricidad quemando combustibles, en no mucho tiempo la escasez de reservas elevará el precio de los hidrocarburos convirtiendo la electricidad producida en estas usinas en un producto lo suficientemente caro como para que su reemplazo sea inevitable. Algunas naciones ya han comenzado a reemplazar sus centrales por otras que producen electricidad a partir de la energía proveniente del Sol, y otras han dejado de desarrollar centrales nucleares o incluso a dar de baja algunas que están en funcionamiento, para también sustituirlas por centrales solares. Veamos cuales son los diez países en los que la energía solar está más desarrollada.

 Corea del Sur produce poco menos del 2% de la energía solar mundial.

 En el décimo puesto se encuentra Corea del Sur, con una producción de 655 Megawatts. Desde hace años este país ha instalado centrales solares, y tiene previsto en los próximos cinco años ampliar su producción en unos 200 a 360 Megawatts más. En este momento, Corea del Sur produce poco menos del 2% de la energía solar mundial. El puesto siguiente corresponde a Bélgica, que con sus 803 Megawatts producidos con esta tecnología supera por poco a Corea del Sur, produciendo el 2% del total mundial. En ese país se ha puesto en marcha un programa que reduce los impuestos que pagan los hogares que se alimentan con este tipo de energía, lo que sin duda ha estimulado a sus ciudadanos a poner paneles solares en sus viviendas. Se estima que la energía eléctrica producida de esta forma crecerá en Bélgica a un ritmo de entre 200 y 300 Megawatts por año.

El mundo va migrando sus fuentes de energía tradicionales a otras más limpias.

En el octavo lugar se encuentra China. El gigante asiático produce algo menos de 900 Megawatts de energía eléctrica proveniente de estas fuentes, lo que representa poco más del 2% del total mundial. Si bien el congreso chino ha aprobado un plan que incluye la construcción de centrales capaces de producir 5 mil Megawatts adicionales en 2015, y entre 20 y 30 mil Megawatts adicionales para 2030. En la actualidad, si bien se encuentra entre las 10 naciones que más energía generan de esa manera, lo cierto es que la producción por habitante -al ser la nación más populosa del planeta- es de las más bajas del grupo. Francia ocupa el puesto número siete, con unos 1025 Megawatts, 719 de los cuales se han agregado a su red en los últimos meses, y el gobierno galo tiene planes para incrementar la producción de energía solar. Actualmente produce el 3% de la energía solar mundial. En el sexto puesto encontramos a la República Checa, que produce poco menos del 6% de la energía solar mundial. Son unos 2000 Megawatts, 1490 de los cuales (y este no es un dato menor) se han incorporado en el último año. Difícilmente puedan seguir creciendo a este ritmo, pero incluso sin hacerlo se convertirá en una de las naciones más limpias en cuanto a generación eléctrica en un par de décadas. 

Los paneles solares son cada vez más comunes.

Estados Unidos es el quinto productor mundial de energía eléctrica a partir de fuentes solares. Genera unos 2528 Megawatts, aproximadamente el 10% de la de todo el planeta, y casi el 60% de sus plantas se encuentran en los desiertos de California. El cuarto puesto corresponde a Italia, país que a pesar de no tener la superficie de China o EE.UU. produce 3484 Megawatts. El tercer puesto es para Japón, que se encuentra prácticamente a la par de Italia con unos 3600 Megawatts generados. Seguramente Japón crecerá fuertemente en este campo u otros similares, ya que la catástrofe producida en su central nuclear de Fukushima este año ha influido fuertemente en la decisión de comenzar a reemplazar la electricidad generada en centrales nucleares por alternativas menos peligrosas. En el segundo puesto se encuentra España, que genera algo más del 10% de la energía solar de todo el planeta. Son unos 3800 Megawatts, y se trata de un país que ha apostado fuertemente a este tipo de centrales. De hecho, empresas españolas construyen muchas de las centrales solares que utilizan las otras naciones de este grupo.

La cantidad de energía proveniente de fuente solares crecerá en el futuro.

Por último, encontramos en el primer lugar de este “top ten” a Alemania, que produce nada menos que  unos 17200 Megawatts. Esta cantidad  seguramente aumentarán en el futuro cercano, ya que el gobierno alemán ha decidido abandonar la generación de energía a partir de materiales radioactivos, medida que seguramente potenciará el desarrollo de centrales solares. Es auspicioso que dentro de este grupo de 10 naciones se encuentren algunas de las más desarrolladas del mundo. Estos países son los que más energía consumen, por lo que es importante que sus dirigentes apoyen las alternativas limpias. Algunos desarrollos que hemos visto en los últimos tiempos permiten suponer que el porcentaje total de energía proveniente de fuente solares crecerá en el futuro. Los nuevos paneles solares, más baratos y con mejores rendimientos, seguramente ayudarán a que la gente comience a instalarlos en sus hogares. El resto de las naciones, todas las que no están en este informe, apenas producen el 9% de la energía solar del planeta. Si estos países tienen acceso a materiales más baratos y eficientes, seguramente comenzarán a migrar sus centrales a estas tecnologías, algo que nos beneficiará a todos.

Visto en: Neoteo.com 

mindstormtech.com

Nick Newell, El luchador manco sigue invicto

2011-12-17T17:43:00.000-03:00

Nick Newell, El luchador manco sigue invicto

Nick Newell es uno de los muchos luchadores de las artes marciales mixtas que han acumulado media docena de combates invicto. Hasta allí nada de extraordinario, es un buen ñogro deportivo pero nada de otro planeta.

La diferencia es que Nick le da una ventaja comparativa a todos sus rivales que lo pone en clara inferioridad en cada pelea. Newell no tiene la mitad de su brazo izquierdo, y esto en un deporte de combate es un océano de diferencia.

La ferocidad y brillante técnica de Nick, además de su `poderoso deseo de triunfar y su remarcable espíritu de superación han hecho de este deportista un ejemplo dentro y fuera del octágono.

En su último combate venció a Denis Hernández en tan sólo un minuto.

Visto en: deportes.yahoo.com

National Geographic Photo Contest 2011

2011-12-03T18:58:00.001-03:00

Concurso fotográfico de la National Geographic 2011

Fotógrafos de todos los niveles (el año pasado más de 16.000 imágenes presentadas por fotógrafos de 130 países) entran en las en tres categorías: Naturaleza, Gente y Lugares. Las fotografías son juzgados por la creatividad y la calidad fotográfica por un panel de expertos. No hay un ganador del primer lugar en cada categoría. La siguiente es una selección de 54 participantes de cada una de las tres categorías. La información de la leyenda es siempre y por escrito por el fotógrafo individual. - Paula Nelson (54 fotos en total)

CONFRONTACIÓN: buzos en una jaula frente a un gran tiburón blanco en la Isla de Guadalupe.

Haz click en el siguiente enlace para ver las 54 fotografías:

National Geographic Photo Contest 2011>>>

10 discos imprescindibles del Blues!

2011-11-25T19:36:00.001-03:00

Odio las comparaciones y en especial las artísticas... es imposible elegir incluso dentro de un mismo género o corriente "el o la mejor". Peor aún son las "top list" de algunas vomitivas revistas "pop" de aficionados a la música.

Llevado a un plano más cercano es como querer elegir a la actriz más guapa, rica, mina, ñam ñam, etc. por ejemplo... ¿¿Cómo diablos escojo solo una?? es imposible, yo escogería al menos 20 y aún así quedaría mirando con cara de coyote hambriento.
Lo que me lleva a pensar en escoger con mucho esfuerzo un puñado variopinto de algo para poder entenderlo, conocerlo, y tener una idea para seguir descubriendo ya con algunas armas los fantásticos caminos de la música, en este caso el "Blues".

Encontré un esfuerzo bastante bueno por lograr esa escena variopinta y por fin un recopilatorio que no incluya a Eric Clapton y B.B. King. 2 personajes de muy buena técnica en la guitarra pero seamos honestos inútiles en un "time line" del desarrollo del Blues en cuanto sonidos. Son House, Willie Dixon, Jimi Hendrix, Colin James, Joe Bonamassa, Eric Johnson, Jeff Healey, incluso Joe Satriani, etc. tienen mayor relevancia creativa.

Germán Zúñiga S.

Dejo así el report con Uds.

Los 10 discos imprescindibles del Blues 

Un apasionante viaje a través de toda la geografía musical de un género legendario.

'King Of The Delta Blues' de Robert Johnson: "I went to the crossroad, mama, I looked east and west I went to the crossroad, babe, I looked east and west Lord, I didn't have no sweet woman, ooh well, babe, in my distress" cantaba guitarra en mano un joven afroamericano recién salido de las plantaciones del Mississippi, con muchas historias que contar y cientos de kilómetros por recorrer. Sin embargo no sería hasta después de su muerte que logrará el merecido reconocimiento cuando en 1960 Columbia Records recopilará todas sus canciones en este magnífico disco. Blues rural hecho con corazón y el alma ennegrecida por los golpes de la vida.

'Moaning In The Moonlight' de Howlin Wolf: El primer álbum Chester Arthur Burnett (más conocido como Howlin Wolf) es sin duda uno de los grandes discos del género. Publicado en 1959 bajo el amparo de Chess Records se presenta como intenso trabajo que recoge perfectamente la esencia de lo que es el Blues de Chicago. Willie Dixon a las letras, Hubert Sumlin a la guitarra y el gran Chester aullando a la luna. Smokestack Lightnin, Evil o How Many More Years son temas que aún conservan toda su fuerza, su esencia y su significado intacto.

'Hard Time Killing Floor' de Skip James: Uno de los padres del género. Blues del Delta de la mano del gran maestro del Fingerpicking. Un espejo al alma de una generación que gritaba en silencio por un lugar en el mundo. Lo más cercano a la verdadera esencia del Blues (los primitivos sonidos de la música africana). 12 temas impresionantes que te pondrán los pelos de punta. Especial antención merecen el propio Hard Time Killing Floor y el legendario Devil Got My Woman.

'Born Under A Bad Sign' de Albert King: publicado en 1967 por la Stax Records se trata de uno de los trabajos más sólidos del malogrado guitarrista nacido en Indianola en 1923. Blues eléctrico con un marcado toque Soul (la Stax era el lugar ideal para su sonido tan cargado de tradición Gospel) a ritmo del particular sonido de la Flying V (un zurdo que tocaba la guitarra sin cambiar el cordaje) de "The Velvet Bulldozer". 11 trallazos donde brillan con luz propia canciones como Years Go Passing By o el Born Under a Bad Sign (tal vez uno de los temas más versionados del género).

'I Am The Blues' de Willie Dixon: Publicado en 1970 por Columbia Records suele ser uno de los discos más mencionados por los verdaderos amantes del género. Jump Blues con toques Gospel. El álbum perfecto donde se vienen encima un himno tras otro. Spoonful, I Can´t Quit You Baby, Back Door Man o Hoochie Coochie Man suenan brutales incluso más de treinta años después de su publicación.

'Stone Crazy' de Buddy Guy: En un magnético estado de gracia (el que da la madurez de los años) el de Lettsworth nos regaló uno de los mejores discos de su dilatada carrera. Blues desde la ciudad del viento cargado de vibrantes aullidos en forma de riffs e interminables y psicodélicos punteos. 6 temas que se complementan unos a otros, con registro que va desde el Boogie de la mítica She Is Out There Somewhere hasta el Blues de inspiración Soul del When I Left Home. 

'It Serves Right You To Sufer' de John Lee Hooker: Grabado a principios de 1960 en apenas un par de sesiones (algo muy habitual en aquella época) de la mano del genial Creed Taylor -fundador del legendario sello Impulse! Records- es sin duda el mejor trabajo del irregular guitarrista y cantante nacido en pleno Delta del Mississippi. Talking Blues que parece cabalgar al ritmo trotón de una maquina de vapor. Temas como Country Boy, Decoration Day o Sugar Mama hacen de este álbum uno de los más sobresalientes del género.

'Texas Flood' de Stevie Ray Vaughan: Una de las mayores leyendas del género. Todo un "Outlaw" y uno de los mejores guitarristas de la historia (uno de esos tipos que tienen un talento sobrenatural). Todo un Guitar Hero del Blues. Publicado por la compañía Epic en 1983 rápidamente se convirtió en uno de los discos más populares del género. Temas como Pride and Joy, la versión del Mary Had a Little Lamb de Buddy Guy o la propia Texas Flood son buena prueba del enorme talento del genial guitarrista tejano.

'Fathers and Sons' de Muddy Waters: Hay ocasiones en que todos los astros se alinean para que algo mágico suceda. Este fue el caso de el décimo álbum de estudio del gran Muddy Waters. El disco, que fue grabado en 1969 en los Estudios Chess, contó con la inestimable colaboración de un inspirado grupo de músicos con Buddy Miles a la batería, Paul Butterfield a la armónica y  Donald "Duck" Dunn al bajo. El mejor ejemplo del auténtico Blues de Chicago. Especial mención merecen temas como Got My Mojo Working, I´m Ready o Long Distance Call.

'Natural Boogie' de Hound Dog Taylor: Jump Blues en estado puro. A medio camino entre el Blues más rural, el Country y el Rock and Roll más puro, se trata de uno de los trabajos más personales del género. No hay minuto de descanso, algo que queda evidenciado desde martilleo del Take Five, que abre el álbum, hasta ese electrificante guiño de despedida llamado Goodnight Boogie.

Fuente: ileon.com>>>

Terry Gilliam, la belleza de lo grotesco (I)

2011-11-19T20:50:00.001-03:00

Terry Gilliam, la belleza de lo grotesco (I)

Siempre he tenido la necesidad de ver qué hay más allá, qué hay al girar la esquina. El mundo trata de decirte “Esto es lo que hay y no te aventures más lejos, porque ahí fuera hay monstruos”. 

Pero yo quiero ver esos monstruos.

Terry Gilliam

Recuerdo enfrentarme a Brazil siendo aún un infante que acaba de inaugurar el periodo de latencia y para el que George Orwell era poco más que un nombre exótico. La experiencia de aquel visionado era abrumadora y fascinante para la retina; el director se destapaba como un prestidigitador de la imagen tan brutal que parecía capaz de filmar una fiesta pijama y convertirla en un lienzo barroco: el ambiente era grisáceo, opresivo, fatídico y a la vez profundamente cómico de un modo retorcido. El resultado final era como estar contemplando una deliciosa pesadilla y probablemente fundió más de un fusible en mi preadolescente encéfalo. Terry Gilliam (Minnesota, 1940), ex-Monty Python y director comando, conseguía trasformar la pantalla en una ventana hacia otro mundo. Un mundo tan torcido como atrayente, en el que la ley estética era tornar bello lo grotesco.

Gilliam tiene el don de ser uno de los directores más sólidos a la hora de construir un universo propio identificable, y por otro lado la desgracia de ser uno de los que han tenido peor fortuna a lo largo de su carrera por factores ajenos a su capacidad creativa. A día de hoy, con setenta años a sus espaldas y aun habiendo alumbrado obras de culto, Gilliam se las desea para mendigar dinero (sin demasiada fortuna) a los productores cuando quiere sacar adelante un proyecto. Mientras tanto, en el mismo planeta, Michael Bay se financia tres Destruction Derbys con robots gigantes entre la hora de la sesión de spinning y la de las pesas y Paul W.S. Anderson adapta un videojuego o viola el cadáver de Alejandro Dumas cuando tiene una tarde tonta. 

Y pese a aquellos inicios prometedores, la producción de Gilliam llegaría a irregularizarse gravemente (tanto en cantidad como en calidad) de manera alarmante durante los últimos años.

Gilliam era el único americano dentro de las filas de la irrepetible compañía Monty Python, y una vez disuelto el grupo se ató una bandana a la cabeza y se lanzó a la dirección cinematográfica fascinado por las posibilidades del celuloide y con una romántica visión del cine como camino hacía mundos inexplorados. Su particular —tanto en la narrativa como en lo visual— percepción de las historias unida a un cruel sentido del humor le convirtió en un director de culto con un séquito importante de seguidores acérrimos.

El universo de Gilliam orbita principalmente en torno al concepto de la imaginación y la percepción del mundo (o los mundos) a través de ella: hombres que sueñan con mujeres que aún no existen en sus vidas, viajes a través del tiempo o fantasías iconoclastas que alejan al personaje de un mundo cotidiano y opresor. Incluso aquellos casos en los que Gilliam no bucea por completo en el género fantástico su obra se dedica a hacerle ojitos al realismo mágico, siempre rebozándose en un ubicuo y personalísimo humor negro fruto de la combinación del absurdo Pythonesco y de ciertos ideales subversivos del propio Gilliam. 

En lo plástico apabulla su capacidad visual, arriesgando a picar la cámara en planos holandeses —que a pesar de su nombre no consisten en vestirse de naranja y arrear una patada de vale-tudo a la cámara, sino inclinarla hacía uno de sus lados consiguiendo una toma ligeramente virada sobre el eje horizontal—, planos cenitales, travellings kilométricos, malabares visuales y un eterno (y admirado) uso del gran angular. 

La idea siempre es acrecentar la riqueza del plano o distorsionar la realidad hasta convertirla en fantasía. Para tal fin es norma en Gilliam aferrarse a las lentes con una distancia focal inferior a 28 mm, cuando el resto de la humanidad considera lógico utilizar las de 40 o 65 mm porque son las que representan con más aproximación el campo de visión natural del hombre. Pero para Gilliam el adecuar la cámara a la percepción natural del ojo humano es algo que solo preocupa a otras personas, él prefiere el ángulo inestable, crear un mundo con una profundidad de campo imposible, ponerse muy barroco recargando de elementos cada escena y obligar al espectador a ver el mundo a través de su mirilla.

Monty Python que estás en los cielos y los antecedentes subversivos

Se me da mejor ser animador que fabricante de bombas. Es por eso que la mayor parte de Estados Unidos aún está en pie.

Terry Gilliam, (Salman Rushdie talks with Terry Gilliam).

Ir al artículo completo>>> 

Falleció Joe "Smokin' " Frazier

2011-11-08T19:51:00.000-03:00

Falleció Joe Frazier, el primer hombre que venció al legendario Mohammed Ali

El ex campeón mundial de peso pesado murió a los 67 años producto de un cáncer al hígado.

El ex campeón del mundo de boxeo de  peso pesado, el estadounidense Joe Frazier, quien pasó a la posteridad por su  "combate del siglo" en 1971 contra Mohammed Ali, perdió su último duelo el  lunes al fallecer de cáncer, anunció su familia en un comunicado.

Frazier tenía 67 años.El sábado, el New York Post había afirmado que el ex campeón, el único  boxeador estadounidense en haber obtenido un oro olímpico dentro del ring en  1964 en Tokio, padecía de cáncer de hígado en estado avanzado.

Frazier fue el primer hombre en vencer al legendario Mohammed Ali, y el  primero en derribarlo, conservando su título de peso pesado por decisión  unánime de los jurados luego de 15 rounds, en 1971 en el Madison Square Garden  de Nueva York, en el que fue considerado como "el combate del siglo".

Según las estimaciones, ese combate entre Ali y aquel a quien él calificaba  con desprecio de "gorila" o "Tio Tom" fue observado por 300 millones de  teleespectadores en todo el mundo.

Frazier perdió luego dos veces consecutivas contra Mohammed Ali, en 1974,  en 12 rounds, nuevamente en el Madison Square Garden, y luego en 1975, en  Filipinas en 14 rounds, una derrota que fue conocida como "el thriller de  Manila".

Frazier había comenzado su carrera con 29 victorias consecutivas,  obteniendo su primera corona de campeón del mundo de los pesados en 1970 en  cinco rounds contra Jimmy Ellis, quien había sido reconocido como campeón del  mundo en lugar de Mohammed Ali, culpable de haber rechazado incorporarse al  ejército estadounidense durante la guerra de Vietnam. Conservó su título hasta enero de 1973, cuando cayó derrotado en dos rounds  contra su compatriota George Foreman en un combate disputado en Kingston, Jamaica.

El norteamericano fue coronado en tres ocasiones como "boxeador del año" por la  revista Ring, en 1967, 1970 y 1971.Recientemente, el ex campeón del mundo había criticado duramente al mundo  del boxeo y a la multiplicidad de títulos: "Con todos esos cinturones (WBA, IBF  y WBO) ¿vaya uno a saber quién es campeón de qué?", se preguntó.

Tras su retiro de los rings, Frazier se había reconvertido como cantante,  formando un grupo llamado "The Knockouts".El domingo, Mohammed Ali hizo saber que "rezaba" por su ex adversario: "Aún  recuerdo a Joe con respeto y admiración", señaló el ex campeón en un  comunidado. "Las noticias sobre Joe son difíciles de creer y todavía más  difíciles de aceptar. Joe es un luchador y un campeón, y yo rezo porque esté  luchando ahora", añadió Ali en su nota.

El filipino Manny Pacquiao, de 32 años, invicto desde hace seis años,  estimó el lunes a su llegada a Las Vegas para disputar un combate contra el  mexicano Juan Manuel Márquez el próximo sábado, que "el boxeo ha perdido a un  gran campeón y el deporte a un gran embajador".

Round 15 del combate de 1971

Fuente: lasegunda.com

Documental Life in a Day, gratis en YouTube

2011-11-01T13:27:00.003-03:00

Documental Life in a Day, gratis en YouTube

Hace un tiempo mencionamos que Ridley Scott y Kevin Macdonald se encontraban trabajando en un “proyecto social” junto con la gente de YouTube. Dicho proyecto tomó forma a través de Life in a Day, un documental que muestra cómo pasa un día en la Tierra, a partir de más de 4,500 horas de vídeo provenientes de 192 países. El documental se estrenó en enero pasado durante el Sundance Film Festival, y su premiere fue transmitida vía streaming por YouTube, pero ahora, su llegada al sitio de vídeos es definitiva, y de forma gratuita.

¿Recuerdas que hiciste el 24 de julio de 2010? Siendo honesto, yo no, y debí recurrir a un viejo calendario para confirmar que el 24 de julio de 2010 fue de hecho un día sábado. Pero ese día se estaba gestando algo diferente, no en el sentido radical que puede cambiar a algo o a alguien para siempre, sino que lo diferente fue la forma en la que pasó ese día. El 24 de julio fue el día escogido para el proyecto Life in a Day, un documental que tuvo a Kevin Macdonald (One Day in September) como director, y a Ridley Scott como productor, con la colaboración de YouTube y LG. El documental está basado en más de ochenta mil cortos enviados por usuarios de YouTube ese día en cuestión. Los cortos sumaron un total de 4,500 horas de vídeo, provenientes de un total de 192 países. Gente rezando, trabajando, bebiendo, desperando, con insomnio, alimentando a sus pequeños, y muchas cosas más se mezclan en este filme de poco más de hora y media de duración.

Life in a Day fue estrenado el pasado 27 de enero, y la ocasión fue nada menos que el Sundance Film Festival del estado de Utah. Su “premiere” también tuvo una versión digital, ya que la gente de YouTube colocó en línea a la película. Nueve meses después, Life in a Day llega a YouTube de forma oficial, con un canal propio y disponible para cualquier interesado que tenga acceso al sitio. El documental contiene subtítulos en veinticinco idiomas, y ya está disponible a la venta tanto el DVD (la distribución está a cargo de la National Geographic) como su banda sonora. En total, Life in a Day está compuesto en un 75 por ciento por los vídeos de los usuarios, mientras que el otro 25 por ciento proviene de cámaras enviadas a lugares del globo en donde el desarrollo tecnológico aún es limitado. El mismo Macdonald indicó la necesidad de esto porque “era importante representar al mundo entero”.
 
 Con el lanzamiento al público de este documental, aquellas voces que aún critican a la Web (y su utilidad), y la consideran una pérdida de tiempo se ven calladas, al menos por un rato. Life in a Day llega a nosotros en un momento especial, en el que bien seguimos matando, saqueando y envidiando, también celebramos cosas como el nacimiento simbólico del ser humano número siete mil millones. Algunos dirán que no es motivo suficiente para alegrarse. Otros dirán que todavía quedan muchos problemas críticos por resolver, y probablemente tengan razón, pero eso no le quita valor a estos gestos, por más pequeños que parezcan. Celebrar una vida y mostrar cómo pasa un día de ella, más allá de los idiomas, las creencias, las políticas y las fronteras, y sin pedir nada a cambio, nos hacen creer que todavía tenemos esperanza.

Life in a Day en línea: Haz clic aquí

Visto en: Neoteo

Energía solar. Presente y proyección

2011-10-18T19:31:00.000-03:00

Energía solar: Lo que hay, y lo que viene 

Que la realidad no nos engañe: A pesar de que instalar celdas solares en un hogar sigue siendo una rareza en la mayor parte del globo, los avances en energía solar han sido más que significativos. A medida que se crean nuevas tecnologías, se pulen las existentes y se reducen los costos de instalación y mantenimiento, el potencial de la energía solar continúa incrementándose. En esta ocasión mencionaremos a algunos de los desarrollos más importantes para este campo, actuales y futuros, con el objetivo de aprovechar la que probablemente sea la fuente de energía más abundante y limpia del planeta.

Aprovechar al máximo la luz del día. Dejar de quemar gas, carbón y petróleo. Apagar los reactores en donde sea posible. La demanda de energía va en aumento, y con ella, aumentan las inversiones en su desarrollo. La energía solar sigue siendo uno de los mayores desafíos, y aunque no está lista para reemplazar por completo a las formas de energía convencionales, continúa avanzando. Imitar a la naturaleza, recolectar energía limpia y gratuita, y utlizarla con diferentes fines, ha dejado de ser simplemente una cuestión de conciencia ecológica. Necesitamos cada vez más, y ante la perspectiva de fuentes energéticas finitas y contaminantes, es necesario que alternativas como la energía solar dejen de ser una simple consideración, para convertirse en una opción de despliegue completo.

La cantidad de aplicaciones para la energía solar es enorme, aunque lo mismo sucede con los desafíos que debe superar

Lamentablemente, la energía solar continúa enfrentando problemas, comenzando por su costo económico, y los ejemplos están en todas partes. A pesar de la fuerte apuesta sobre tecnologías limpias que ha hecho la administración Obama, ha sido la industria convencional y las fuentes de energía consideradas “sucias” las que más empleos han generado en los Estados Unidos durante los últimos meses, sin mencionar el reciente “escándalo Solyndra”, algo así como el nuevo "Enron solar". El caso de España es aún más dramático, ya que pasó de ejemplo mundial en el despliegue de tecnología solar a ser uno de sus más implacables asesinos, cortesía de la crisis económica y los brutales recortes a los subsidios gubernamentales. Esto se ha repetido a través de todo el territorio europeo, aunque ahora España se ha convertido en el ejemplo de como “no” se debe financiar a la energía solar. Hasta marzo pasado, Europa representaba el 80 por ciento de la demanda mundial de equipamiento solar, y con la posible excepción de Italia, el desarrollo solar europeo parece estar en un período de estancamiento. Los euros son escasos, la gente está muy susceptible a cualquier aumento de tarifas, y son las inversiones a largo plazo las que primero reciben el golpe.

Pero eso no quiere decir que haya que bajar los brazos, ni mucho menos. El desarrollo de la energía solar debe continuar a pesar de las limitaciones existentes. Hace cien años más de uno fue tildado de loco al comprar un amplio terreno sólo para hacer agujeros en el suelo con la esperanza de encontrar ese famoso “oro negro”, y miren en dónde está la industria petrolera hoy. ¿Podrá en algún momento la energía solar alcanzar el nivel del petróleo? La respuesta a eso aún se desconoce. Si medimos a la energía solar por su estado actual sería muy tentador decir que no, pero hay un importante grado de incertidumbre que no se puede descartar arbitrariamente. Tal vez en la cabeza de un pequeño que en este momento se encuentre frente a una consola descanse la clave para un sistema de recolección de alta eficiencia y bajo costo, que es exactamente lo que la ciencia está buscando hoy. Si quieres conocer algunos ejemplos, sólo tienes que seguir leyendo.

Globos solares

Para muchos desarrolladores, el problema principal de la recolección de energía solar es la celda misma, y con eso en mente se están buscando métodos para eliminar sus principales restricciones. Uno de estos métodos convierte a los paneles en globos, inflados ya sea con helio o con aire convencional de acuerdo al concepto. La gente de Cool Earth Solar ha transformado a sus globos (oficialmente llamados “concentradores”) en lentes de aumento flotantes, con la capacidad de concentrar trescientas veces más luz utlizando una fracción mínima de material. La idea es que estos globos alimenten plantas que luego venderán la electricidad, pero la certificación para su disponibilidad comercial e industrial está en los planes de la empresa.

Celdas flotantes que funcionan como lentes (Cool Earth Solar)

Celda solar de película delgada

 Por supuesto, desarrollos como el de los globos solares no podrían ser llevados a cabo si no fuera por un aspecto crítico como el de la celda solar de película delgada, uno de los grandes inventos de 2008 según la revista Time. Todo comenzó con calculadoras y pequeños gatos de la suerte provenientes de Oriente, pero ahora, este tipo de celda solar se ha convertido en la elección por excelencia para todo tipo de instalaciones resistentes y de (relativo) bajo costo. Son más livianas, más baratas de fabricar (no hay armazones de aluminio o pesados bloques para trasladar), y aunque su eficiencia no está dentro de los mejores rangos (el Kapton de DuPont alcanzó un 13.8 por ciento), pueden colocarse en casi cualquier parte, incluyendo techos de hogares. Si hay una forma a la que tal vez podamos acceder a la energía solar, probablemente sea con una de estas celdas delgadas.

Más flexibles, más livianas, más baratas

Nanotubos de carbono

Es cierto que los nanotubos prometen múltiples aplicaciones, pero sus beneficios pueden potenciar ampliamente la recolección y el almacenamiento de la energía solar. Hace poco Ariel nos habló de un desarrollo de la MIT que puede convertir energía solar en energía química, almacenándola por largos períodos de tiempo. Actualmente, el almacenamiento de la energía solar no es lo que se puede considerar algo crítico, ya que estamos obteniendo una fracción ínfima en comparación con otras fuentes, pero cuando la balanza se encuentre un poco más equilibrada (tanto en la obtención de energía neta como en su precio), serán necesarios métodos masivos y confiables de conservación. También se está explorando el uso de nanotubos en la fotosíntesis artificial, algo de lo que hablaremos más adelante.

La tecnología solar podría encontrar un socio interesante en los nanotubos

Micro-conversores

Otra piedra angular del desarrollo social, y su explicación es más o menos sencilla: La energía proveniente de las celdas solares llega en la forma de corriente directa (también directa o "DC"), la cual debe ser convertida a corriente alterna (AC) para ser utilizada en un hogar o entregada a la grilla de distribución. Al comienzo, contar con un conversor adecuado devoraba gran parte del costo de instalación inicial, y más grave aún era la pérdida de rendimiento frente a factores como sombras o suciedad (más del 50 por ciento en el peor de los casos), pero con la llegada de los micro-conversores, ahora sólo es necesario una sola celda para comenzar una aventura solar personal. Un micro-conversor puede controlar con precisión la salida de una celda en vez de modificar a toda la estructura, y aunque sus ventajas económicas todavía no son del todo tangibles, se ven representadas por factores como un menor requerimiento de mantenimiento. Ahora existen micro-controladores con la capacidad de controlar dos celdas a la vez, lo que reduce aún más los costos.

Un ejemplo de micro-conversor o micro-inversor

Infrarrojo, celdas transparentes y ventanas

Si consideramos a la luz solar estrictamente a partir de aquello que podemos ver, entonces estamos ignorando una gran parte de ella. Hace un tiempo hablamos sobre el desarrollo de celdas solares capaces de capturar la luz infrarroja. Existen ciertos desafíos técnicos para llevar esto a buen puerto, pero como resultado se podrían lograr nada menos que celdas solares transparentes. Eso nos lleva a convertir ventanas en celdas solares, algo que se podrá hacer muy pronto gracias al nuevo producto desarrollado por la gente de 3M. Estas nuevas celdas sólo necesitan ser pegadas en la ventana, y además de recolectar energía, pueden absorber hasta el 90 por ciento de la luz infrarroja, manteniendo más frías a las habitaciones. Su eficiencia es de aproximadamente el 20 por ciento de una celda normal, aunque tendrá la mitad de su precio. Se espera que llegue al mercado en 2012.

La pegatina transparente de 3M no revolucionará la recolección de energía solar, pero es un comienzo

Hojas artificiales y torres solares

Un tema que ha aparecido en varias oportunidades aquí en NeoTeo es el interés de los científicos en imitar a la naturaleza, a través del desarrollo de hojas artificiales para capturar energía solar. Puedes leer aquí, aquí y aquí al respecto, pero en general la barrera que deben superar los investigadores sigue siendo la misma: La fotosíntesis natural tiene una eficiencia suficiente para la vida vegetal, pero nosotros necesitamos mucho más, aún si los diseños iniciales pueden superar varias veces a la capacidad de una hoja natural. Y para finalizar (al menos por hoy), quería mencionar el proyecto de torre solar que ha presentado la gente de EnviroMission. El diseño combina energía solar, efecto invernadero y aire caliente para dar energía a cien mil hogares. Si todo va bien, la torre será construída en Arizona, y tendrá un costo de 750 millones de dólares.

Hasta aquí llegaremos por hoy. La energía solar es un tema mucho más profundo del que se puede imaginar. Las tecnologías actuales son muy interesantes, pero palidecen frente a algunas ideas que están barajando los investigadores. Desde globos de plástico hasta torres de varios cientos de metros de alto, todo parece viable, siempre y cuando los factores económicos y de rendimiento neto sean razonables. Con el escándalo de Solyndra, la industria solar está siendo observada con cierto recelo al otro lado del charco, y en Europa el ritmo ha disminuído, sin embargo, claudicar no es una opción. Requerirá tiempo, esfuerzo, y mucho dinero, pero eventualmente, la energía solar debería llegar al nivel que todos deseamos.

Visto en: Neoteo.

Casa de Vidrio - Lina Bo Bardi 1951

2011-10-18T18:38:00.001-03:00

Clásicos de Arquitectura: Casa de Vidrio / Lina Bo Bardi

No, no es "Glass House" (1949) de Philip Johnson.

Lina Bo Bardi es un paradigma de la arquitectura modernista en Brasil. Si bien nació en Italia, llegó en los años 40 a Sao Paulo para quedarse. El año 1951 ésta arquitecta terminó su primera obra construida; la “Casa de Vidrio”, en una localidad al sur de Sao Paulo. Esta casa, diseñada para que Lina viviera con su marido, es hoy un monumento arquitectónico nacional y es conocida por sus refinados detalles y por el empleo de elementos asociados a técnicas industriales avanzadas, y por ser una “casa abierta”.

La casa de cristal fue la primera residencia construida en el barrio de Morumbi. En ese momento, la década de 1950, la capital del estado se encontraba todavía en la primera parte de la ocupación de la otra orilla del río Pinheiros.

Como se indica en el dictamen del Instituto Técnico de Patrimonio Histórico y Artístico Nacional – IPHAN, Luiz Fernando Franco “su singularidad radica en la modernidad de la relación con el medio ambiente y la inserción en el paisaje“. Rodeado por un bosque, que en la naturaleza es el elemento0 participante de la arquitectura, por lo tanto, la intención que manifiesta la arquitecta era quedarse en casa, conservando el perfil natural del terreno. La estructura vertical de la casa se compone de tubos de acero, con losas y otros elementos estructurales de hormigón armado.

De acuerdo con el Instituto de Bardi el terreno donde se construyó la casa estaba completamente ocupado por la vegetación del Bosque Atlántico. En el paisaje se observan algunos senderos que recorren el suelo bajo la vegetación. Con su estructura fina y la transparencia de la junta, la casa permite que el estar tuviera una total continuidad visual con el paisaje.

El terreno es muy inclinado, por lo que el frente de la casa fue construido sobre pilotis, y la parte de atrás está apoyada con muros de hormigón sobre el terreno. El aspecto macizo de la parte trasera de la casa se contrapone con el frente liviano, una caja de hormigón vidriada en 3 de sus lados y apoyada en tubos de acero sin uniones.

La casa fue proyectada con un mínimo de protección para sacar el máximo provecho la increíble vista que se desplegaba por la ciudad. Así, al mismo tiempo que la casa actúa como un refugio  para proteger a sus usuarios del exterior, no impide que éstos vivieran en constante contacto con la naturaleza que rodea la casa. Los residentes entonces podían disfrutar del amanecer y las puestas de sol, y de las tormentas y tempestades.

Para acentuar esta relación con la naturaleza, las grandes ventanas del living no tienen barandas de protección. El patio interior que se encuentra en medio del estar, permite una ventilación cruzada en los días calurosos; y en el centro de él, se encuentra un árbol que existía antes de la construcción de la casa. La escalera principal, es una estructura de acero con sus peldaños de granito, un detalle típico de terminación.

La casa se distribuye en varias zonas, la zona privada que se encuentra en caja abierta con cristal que es la que da al sur y la zona de servicio que está unida a la zona privada por la cocina, en la parte posterior de la vivienda. Y finalmente, en la planta baja se encuentran las zonas de máquinas y el garaje.

Arquitecta: Lina Bo Bardi
Año Proyecto: 1951
Referencias: Instituto Bardi, Docomomo, jabenitezfornell, arquilove
Fotograíasf: Cortesía de arquilove,  Usuarios de Flickr: Claudio Zeiger, maíra martines, caio meirelles, mishmoshimoshi, selmie

Visto en: plataforma arquitectura.

Libro del siglo XVII hecho con la piel de la cara de un jesuita.

2011-10-15T18:56:00.001-03:00

Libro del siglo XVII hecho con la piel de la cara de un jesuita.

Durante el reinado de Jacobo I de Inglaterra las medidas contra los católicos ingleses se habían endurecido. En 1604, hartos de represión, Robert Catesby, el líder de un grupo de católicos ingleses, convocó en su casa a varios correligionarios (John Wright, Thomas Wintour, Thomas Percy, Guy Fawkes, Robert Keyes, Thomas Bates, Robert Wintour, Christopher Wright, John Grant, Sir Ambrose Rookwood, Sir Everard Digby y Francis Tresham)… se gestó la Conspiración de la Pólvora (Gunpodwer Plot).

Conspiradores

La idea era hacer explotar la Cámara de los Lores durante la apertura del Parlamento el 5 de noviembre de 1605, matando al rey y la aristocracia anglicana. En la cripta bajo la Cámara de Lores se dispusieron 36 barriles de pólvora que reducirían a escombros el edificio. Todo estaba preparado pero el 4 noviembre una carta anónima alertó a las autoridades de la conspiración, se ordenó registrar el edificio y se encontró a Guy Fawkes, experto militar, preparando la pólvora. A manos de los torturadores, Fawkes delató al resto de los conspiradores… fueron ejecutados y, algunos, descuartizados.

Cripta con la pólvora

Aprovechando la trama se “buscaron” más implicados y, claro está, los jesuitas fueron su objetivo. Se acusó al jesuita Henry Garnet de conocer la trama y no informar al rey (aunque parece ser que la conocía bajo secreto de confesión). Fue ahorcado en mayo de 1606.

La siguiente noticia que tenemos de este jesuita es en noviembre de 2007, cuando la Casa de Subastas Wilkinson subastó un libro del siglo XVII titulado “A True and Perfect Relation of the Whole Proceedings Against the Late Most Barbarous Traitors, Garnet, a Jesuit and his Confederates“ (más o menos, una relación verdadera y perfecta de todo el procedimiento contra los traidores, el jesuita Garnet y sus compinches) cuya cubierta está hecha con la piel del jesuita… de su cara.

Sid Wilkinson, responsable de la subasta, dijo:

Es un poco espeluznante, porque el principio del libro parece que tiene el rostro de un hombre en ella, que se presume que es la cara de la víctima.

Fuentes e imágenes: BBC, History Learning Site, Britannia, Historias de la Historia

Arte esquizofrénico: cuando la locura va a los museos

2011-10-08T20:43:00.000-03:00

Arte esquizofrénico: cuando la locura va a los museos

Madge Gill

Lo vi hace muchos años, en un reportaje en la televisión. Trataba el tema de la esquizofrenia, y mostraba a pacientes en instituciones mentales cuyas actitudes iban —dependiendo de la gravedad de su estado— de un ensimismamiento autista repleto de movimientos extraños a la capacidad de mantener una conversación bastante normal. Los esquizofrénicos que aparecían en pantalla no eran algo que yo hubiese visto en la vida real, y causaban una mezcla de curiosidad y cierto miedo. De todos modos, todo aquello no era algo que un televidente impúber pudiese entender muy bien.

Pero entonces comenzaron a mostrar algo que, creo, cualquier niño puede captar rápidamente: dibujos. Eran las pinturas de algunos de aquellos pacientes; no recuerdo ya prácticamente ninguna, pero hubo una que por alguna razón se me quedó grabada: la figura de un hombre con traje y corbata, perfectamente normal, pero cuya cabeza era una bombilla eléctrica. Después mostraron otros dibujos del mismo paciente: siempre aparecían aquellos hombres con traje, corbata y cabeza de bombilla. El arte pictórico de aquellas mentes enfermas podía contener una extraña fuerza; más tarde, al hacerme mayor, descubrí que —lógicamente— no había sido el primero en notarlo y que incluso se habían fundado corrientes artísticas enteras bajo la influencia del arte esquizofrénico.

Freud o el exorcismo de la locura

Retrato de Edward James, por René Magritte

Las teorías psicológicas de Sigmund Freud lo cambiaron todo. Incluso el arte. La locura había sido durante siglos una condición maldita: incluso cuando no era considerada una posesión diabólica —postura desgraciadamente muy común— provocaba incomprensión y rechazo. La gente podía asustarse incluso de sus propios sueños, cuando estos eran demasiado extraños, porque no entendían los mecanismos mentales que había detrás.  El loco, en la literatura o el arte, era siempre una figura trágica; el bufón de Dios, cuyas ideas aberrantes eran objeto de burla, de ocultamiento o de piedad, pero nunca de imitación. A nadie se le hubiese ocurrido que las ideas nacidas en la locura podrían servir de inspiración —al menos directa— para el arte.

Freud mostró al mundo que las ideas aberrantes no eran necesariamente producto de una maldición: explicó los sueños, por ejemplo, y lo de menos es que su explicación fuese certera o no. Lo importante era la idea de que el consciente no es el único dueño de la mente, y que existe un subconsciente irracional dentro de todos nosotros. Algo que produce los sueños y, en aquellas personas cuyas barreras entre realidad y fantasía se rompen, también las alucinaciones y delirios. Una explicación científica que permitía aceptar la locura.

Los literatos y especialmente los pintores fueron quienes con mayor fervor recibieron este nuevo concepto de la locura. Ahora que los desvaríos del subconsciente —aberrantes para la razón— ya no eran obra de Satán o de una condenación contagiosa, sino el mero resultado de procesos explicables de la mente, podían ser observados sin miedo, aceptados e incluso imitados. Los artistas empezaron a sentirse atraídos por la originalidad, la variedad y el sorprendente abanico de símbolos y temáticas que residen en el subconsciente. El auge de corrientes artísticas como el expresionismo invitó a muchos de esos artistas a explorar la cara oculta del alma en busca de inspiración. Los sueños eran la fuente más inmediata y natural; otros recurrían a las drogas alucinógenas o la absenta para provocarse esos delirios que desembocasen en imágenes inspiradoras. Otros no tardaron en descubrir que los pacientes mentales dotados de habilidades artísticas producían por sí mismos imágenes tan originales e impactantes como las que estaban buscándose en el mundo onírico del sueño o como resultado del consumo de estupefacientes. Los locos habían sido, desde tiempos inmemoriales, los pioneros del surrealismo. Sólo que nadie les había prestado atención hasta entonces.

Los esquizofrénicos fueron el principal objeto de culto por parte de los artistas que buscaban llevar los productos del subconsciente a sus lienzos.  Los pintores empezaron a visitar las instituciones psiquiátricas en busca de inspiración. Evidentemente no todos los pacientes mentales son capaces de dibujar o pintar; como entre las demás personas los hay que tienen talento, y los hay —una mayoría— que no. Pero incluso quienes no eran especialmente hábiles dibujaban temas sorprendentes y figuras de retorcida originalidad que eran muy cotizadas por los artistas. Si la imaginación es la capacidad para generar imágenes en nuestra mente, qué duda cabe que los esquizofrénicos tienen una imaginación florida: el único problema es que no la pueden controlar.

La Comedia y la Tragedia, por Giorgio de Chirico

Dibujar o pintar es una actividad relajante, que servía a muchos esquizofrénicos para centrarse y al mismo tiempo expresar sus obsesiones y fantasmas. Cuando no tenían síntomas, podían realizar pinturas con temas perfectamente normales. Pero cuando dejaban traslucir sus trastornos, sus mentes quebradizas producían todo tipo de imágenes de cruda espontaneidad, que según la gravedad de sus síntomas variaba desde escenas que combinaban el naturalismo de la realidad con ciertos elementos aberrantes surgidos de la fantasía, hasta incomprensibles galimatías geométricos destinados a mitigar su ansiedad.

De lo primero —pinturas más o menos realistas donde se cuelan elementos irracionales— se nutrieron abiertamente un buen número de pintores surrealistas. René Magritte, por ejemplo, solía abundar en conceptos como la disociación (figuras cuyo rostro se separaba del cuerpo; edificios a oscuras con luces nocturnas frente a un cielo diurno), la confusión (barcos hechos del mismo océano sobre el que navegan, manzanas en lugar de cabezas) o el cambio de propiedades de la realidad (rocas flotantes, hombres caminando sobre el aire, espejos con refracciones anómalas). Estos curiosos simbolismos pictóricos eran muy similares a los que se presentan en la obra de ciertos esquizofrénicos; aunque algunas drogas y en menor medida los sueños pueden producirlos también, no aparecen con la misma abundancia ni son tan concretos como los que causan los procesos de enfermedad mental. Hoy en día hemos contemplado casi un siglo de arte surrealista y puede parecernos que no son ideas especialmente originales, pero en su momento suponían una auténtica ruptura porque provenían de uno de los pocos ámbitos que el arte no se había atrevido a explorar: la locura. Otros grandes surrealistas como Max Ernst, Giorgio de Chirico o Salvador Dalí solían ofrecer, sin embargo, una versión más elaborada del surrealismo, generalmente más cercana al mundo onírico que a la pseudorrealidad quebrada de la esquizofrenia, pero incluso ellos se sentían atraídos e influidos por las derivaciones pictóricas de la enfermedad mental. Chirico, particularmente, introducía elementos esquizoides —como la sustitución de partes corporales por objetos o huecos— en algunos de sus cuadros, como La comedia y la tragedia o Las musas.

Pero si hubo alguien que convirtió esa atracción en toda una corriente pictórica nuevo fue Jean Dubuffet.

Adolf Wölfli

Art Brut: el arte que viene de los márgenes

Con el antecedente del fauvismo de Henri Matisse —un uso crudo, infantil, de los colores— y el apogeo del expresionismo y el surrealismo, ambos atraídos por los productos del subconsciente, era cuestión de tiempo que alguien proclamara su interés por una pintura completamente alejada de la academia, producida por seres artísticamente inocentes no contaminados por las influencias del mundillo pictórico.

Paul Gosch

Esto es, artistas a quienes no se reconoce como artistas porque producen su obra fuera de los márgenes de la cultura oficial —niños, pacientes mentales, o personas anónimas de todo tipo— ya no eran simplemente una influencia para los surrealistas y demás, sino autores perfectamente respetables con obras dignas de ser estudiadas por sí mismas.  El impulsor de ese nuevo interés fue Jean Dubuffet, quien no se limitó a recoger la influencia de esos artistas no reconocidos; quiso reconocerlos directamente, sacarlos a la luz.

El mundo empezó a descubrir que los pacientes mentales producían toda clase de dibujos y cuadros tan fascinantes como los de ciertos grandes artistas que se inspiraban en ellos. Desde las figuras surrealistas producto de visiones y delirios que había imitado Magritte hasta intrincadas obsesiones geométricas y extraños juegos de perspectiva que solían ser producto de fases avanzadas de la esquizofrenia. Algunos de aquellos individuos alcanzaron cierto renombre entre los círculos pictóricos y aún hoy se les cita en libros de arte, pese a que no pertenecen a ninguna corriente concreta (Art Brut es más una etiqueta colectiva que descriptiva). Aunque a menudo las obras de estos pacientes mentales tienen algunas características comunes —como la fijación por al barroquismo geométrico, los rostros y los ojos— son lo bastante diferentes entre sí como para poder englobarlas en un estilo determinado. Se fue descubriendo las interesantes obras de gente como el alemán Paul Gösch, un esquizofrénico que pintaba composiciones coloristas y muy complejas, en donde aprovechaba rincones de la pintura para incluir escenas en miniatura casi a modo de viñetas (algo que algunos esquizofrénicos, especialmente los más hábiles artísticamente, hacen a veces). Su cromatismo infantil y las superposiciones de figuras con entrelazados y transparencias eran, si no pictóricamente sólidas, al menos sí muy interesantes; por desgracia, Gösch murió en un campo de exterminio durante una de las “limpiezas” eugenésicas del régimen nazi.

Madge Gill

El que los artistas del Art Brut fuesen “artísticamente inocentes” no significaba que fuesen inocentes también en otros aspectos. De hecho, algunos de estos pintores y dibujantes despertaron fascinación por su obra pero eran individuos más bien poco recomendables. Adolf Wölfli fue un psicótico de turbulenta vida y personalidad agresiva cuyos dibujos a lápiz mostrando las habituales obsesiones esquizoides por los ojos, las caras y un abigarrado barroquismo geométrico traspasaron los muros de la clínica donde estaba recluido y llegaron a los círculos artísticos, causando bastante impresión entre los pintores del momento. Había tenido una infancia traumática, en la que fue objeto de abusos sexuales y posteriormente entregado a un orfanato. En su edad adulta fue acusado varias veces de abusar sexualmente de niños y terminó recluido en un sanatorio mental, cuyas celdas de aislamiento visitaba a menudo a causa de sus arrebatos violentos. Pese a su terrible personalidad, Adolf Wölfli era y aún es considerado un artista influyente, y puede considerársele una de las figuras claves del Art Brut. Sus dibujos, hechos generalmente con lápices de colores, tienen un estilo muy característico y han servido de inspiración a no pocos artistas contemporáneos y posteriores. Sus composiciones geométricas típicamente esquizoides, que en ocasiones incluso recuerdan a ciertas artes tribales, están entre lo más pictóricamente interesante del “arte marginal”.

También interesante es la obra de Madge Gill, una inglesa que creía estar en contacto con los espíritus del Más Allá y cuyos dibujos en blanco y negro son una expresión de esos supuestos contactos. Sus apretujadas celosías de líneas, tras el aspecto inicial de garabatos, muestran un apreciable gusto para la composición y un admirable sentido del equilibrio. Pese a llevar una vida relativamente normal (incluso formó una familia) aseguraba estar guiada por un espíritu —llegaba a firmar sus obras con el nombre de ese espíritu— y pese al interés de terceros en promocionar su trabajo y dar a conocer su talento, siempre fue reticente a exponer y se negaba en redondo a vender sus obras, la mayor parte de las cuales no fueron de acceso público hasta que Madge murió. Otro gran descubrimiento fue el del mexicano Martín Ramírez, un paciente esquizofrénico cuyos dibujos —sencillos pero extrañamente inquietantes— mostraban una constante obsesión por puertas, vanos, arcos y espacios vacíos que traslucían la profunda inseguridad e incertidumbre de su estado mental. Sus juegos de perspectivas con túneles, columnas y raíles fueron muy apreciados en los círculos artísticos y siguen causando gran impresión hoy; es uno de los artistas esquizofrénicos más originales y característicos (si es que no lo son todos en cierto modo, evidentemente).

Dos dibujos de Martín Ramírez

No menos impresionante es la obra póstumamente descubierta de Felipe Jesús Consalvos, un cigarrero cubano cuya familia se trasladó a los Estados Unidos, donde de manera anónima realizó la mayor parte de su trabajo. Durante su vida, totalmente al margen de los círculos artísticos, Consalvos produjo extraordinarios collages utilizando fotografías, etiquetas de tabaco y fajas de puros, generalmente en formato de cuadro, aunque también las usó para forrar algunos objetos tales como instrumentos musicales. Como ocurre a menudo en estos casos, sus impresionantes collages fueron descubiertos por el público tras su muerte. Su obra es tan impactante y demuestra un talento tal, que se le considera uno de los “artistas marginales” más grandes y reconocibles del mundo. Se sabe bien poco sobre su figura, aunque el estilo abigarrado de sus collages, su expresividad tan directa y la fijación con determinados temas parecen indicar que Consalvos pudo sufrir algún tipo de trastorno mental, o como mínimo una angustia intensa que necesitaba mitigar centrándose en tan milimétricos y complejos trabajos.

Collage de Felipe Jesús Consalvos

El canadiense William Kurelek llamó mucho la atención por sus cuadros que basculan entre diversos estilos; aunque una de las obras en las que más claramente se trasluce su esquizofrenia es El laberinto, un enorme mural representando un cráneo tirado en el suelo, en cuyo interior —un poco al modo de Paul Gösch— pueden verse diversas escenas de tristeza o acontecimientos traumáticos. Quizá sea su cuadro más célebre por lo impactante del contenido (y por su tamaño), pero casi toda la obra pictórica de Kurelek merece mucho la pena. Willem Van Genk era un holandés diagnosticado de esquizofrenia y autismo, cuyas composiciones sobre ciudades, estaciones abarrotadas de gente, dirigibles, aviones, barcos o puentes recuerdan por su colorismo y complejidad a los collages de Consalvos, aunque también tiene algunos dibujos de tono más naturalista. Como el artista cubano, Van Genk también tenía pasión por decorar profusamente objetos, entre ellos algunos tan curiosos como  una colección de impermeables.

Más allá de la pintura

El “art brut” o arte marginal, evidentemente, terminó sobrepasando los límites de la pintura. Tiene incluso su vertiente literaria: por ejemplo, Richard Sharpe Shaver fue un artista norteamericano cuyos delirios resultaban tan fascinantes que el editor de la revista de ciencia ficción Amazing Stories los publicaba en forma de relatos, dando a Shaver a conocer a los lectores habituales de la publicación. Shaver sufría toda clase de paranoias muy elaboradas: había comenzado un buen día a escuchar los pensamientos de quienes le rodeaban, lo cual fue sólo el comienzo de una serie de revelaciones fabulosas. dijo haber descubierto el primer idioma de la Tierra, el “mantong”, que le permitía hallar significados ocultos tras los sonidos y las palabras. Había averiguado que en profundas cuevas habitaba una antiquísima raza, la mayoría de cuyos integrantes había salido al espacio para huir de la radiación solar, pero de los que aún quedaban algunos en el planeta Tierra, embrutecidos por los siglos de encierro, aunque poseían naves espaciales y estaban en estrecho contacto con civilizaciones alienígenas muy avanzadas. Según Shaver, determinadas piedras (“libros de roca”) contenían mensajes de aquella antigua raza. Las historias e ilustraciones de Shaver, aunque estuvieron siempre rodeadas de polémica —hubo quien acusó a la revista de haberse inventado un personaje ficticio como reclamo publicitario—alcanzaron bastante repercusión y fue una curiosa figura que anticipó la fiebre OVNI desatada en 1947.

Una de las escalofriantes ilustraciones de Henry Darger

Bastante más perturbadoras son las ilustraciones de Henry Darger, quien como en otros casos similares vivió su infancia entre orfanatos e instituciones mentales, pero después llevó una vida aparentemente anodina, obsesionado con la religión —iba a misa varias veces al día— y aquejado por un síndrome de Diógenes que le hacía recoger toda clase de basura inservible de las calles. Su monumental obra se descubrió sólo después de su muerte, cuando se encontró en su habitación un alucinógeno manuscrito de 15.000 páginas con el largo y enrevesado título La Historia de las Chicas Vivian, en los llamados Reinos de lo Irreal, sobre la Guerra-Tormenta Glandeco-Angeliniana causada por la Rebelión de los Niños Esclavos. Aunque casi nadie se ha leído entera la enorme novela —que al parecer no es más que una insensata sucesión de sobrecargadas mitologías, aunque no sin interés por lo extravagante del universo que crean— se sabe que La Historia de las Chicas Vivian representa uno de los lados más oscuros del “arte marginal”. El libro narra unas guerras en un mundo fantástico donde los niños tienen un gran protagonismo, y describe numerosas veces las horribles torturas y muertes a que son sometidos. Aunque no se conoce que Darger cometiese actos violentos contra niños (se sospecha a veces de que pudo asesinar a una niña, aunque no hay pruebas para afirmarlo y podría tratarse de una simple habladuría causada por su fijación por las noticias de crímenes con víctimas infantiles) las numerosas ilustraciones con que acompañó su manuscrito ponen, en ocasiones, los vellos de punta. No sólo por las frecuentes escenas de desnudez sólo aparentemente inocente —no dibujaba escenas sexuales pero parece evidente una fascinación fuera de lo normal por los cuerpos de niños y niñas de corta edad— sino por las sangrientas representaciones de violencia y torturas de todo tipo. Además, uno de los rasgos más extraños es que suele dibujar a las niñas con órganos sexuales masculinos: se dice que podría deberse a que Darger desconocía la naturaleza de los genitales femeninos, porque nunca habría tenido relaciones con mujeres temiendo que alguna de ellas fuese su hermana, a la que se había dado en adopción y cuyo físico él no conocía. Tampoco habría consumido pornografía debido a sus fijaciones cristianas. 

En todo caso, Darger es verdaderamente un artista marginal: no sólo fue conocido de modo póstumo, sino que el conjunto de su obra pictórica es demasiado extraña en el fondo —y no lo bastante en la forma— como para causar imitación más allá de la mera contemplación o del merio estudio psicológico. Sus dibujos son buenos, pero salvo por sus temas, menos impactantes que los de otros artistas marginales.

Ferdinand Cheval posando frente a su Palacio Ideal. A la derecha, el mausoleo que construyó para sí mismo y donde está enterrado.

Uno de los casos sin duda más sorprendentes es el de Ferdinand Cheval, un cartero rural francés que un buen día encontró una piedra y, repentinamente inspirado por no se sabe muy bien qué, vio en ella la forma básica de una construcción. Diariamente, en su trayecto para repartir el correo, recogía piedras que después iba añadiendo a esa construcción. Fue haciéndolo día tras día, ignorado por sus paisanos, que le consideraban poco menos que el tonto del pueblo. Cheval siguió con su obra durante muchos años y a principios del siglo XX su “Palacio Ideal” fue descubierto con absoluto pasmo por artistas de la talla de Pablo Picasso. El barroquismo de su espontánea arquitectura, que recuerda tanto al estilo Gaudí como a ciertos templos orientales, despierta asombro incluso hoy en día: además de su célebre palacio, es buena muestra de su talento el mausoleo que, durante siete años, construyó para sí mismo en el cementerio.

El hombre que pintaba a los gatos

Louis Wain, antes de sufrir enfermedad mental, junto a uno de sus gatos.

La mayoría de los pintores esquizofrénicos fueron descubiertos cuando ya se había diagnosticado su enfermedad y su obra conocida ya estaba marcada por la misma. Pero lo ideal para observar la influencia de los estadios más graves de la esquizofrenia sobre el arte sería el que hubiese un individuo que hubiese empezado a pintar mucho antes de declararse el trastorno mental. Y tal personaje existe: Louis Wain. No puede considerársele propiamente un representante del “art brut”, ya que tenía una formación académica y fue un artista normal, metido en los círculos comerciales durante bastante tiempo  antes de caer mentalmente enfermo. Gran amante de los gatos, durante años dibujó simpáticas ilustraciones que tenían muy buena aceptación entre el público victoriano y que aparecían en periódicos, revistas, libros infantiles, tarjetas, etc. Era un ilustrador exitoso con un estilo convencional, amable y en absoluto experimental.

Pero a principios del siglo XX se le diagnosticó una esquizofrenia progresiva que empezó a minar su estado mental. Hasta entonces había sido un perfecto caballero, tranquilo y bien educado, si bien detrás de su encanto personal la gente siempre le había considerado un tanto peculiar. Pero la enfermedad le hizo cambiar radicalmente, volviéndole paranoico y de conducta imprevisible, hasta que su familia no tuvo más remedio que ingresarle en un sanatorio.

Allí, los dibujos de Wain empezaron a mostrar la progresión de su enfermedad. Sus gatos, antaño retratados como figuras plácidas y simpáticas, aparecían ahora con una expresión de alarma, pintados con colores más chillones y con algunas figuras geométricas en el fondo, en vez de los paisajes habituales en su obra anterior. La ansiedad de Wain, evidentemente, se estaba plasmando en su obra. Conforme su estado empeoró, los gatos pasaban de aquella expresión de alarma provocada por alguna amenaza externa a tener ellos mismos una expresión amenazante hacia el pintor. Después, conforme el artista perdía el contacto con la realidad, las obsesiones geométricas se apoderaban de su obra y los rostros de los gatos se fueron descomponiendo en intrincadísimas celosías fractales en las que finalmente resultaba imposible reconocer a un gato, pese a que, a ojos de Wain , el gato seguía estando allí.

Louis Wain: arriba, dos ilustraciones de su etapa mentalmente sana. Abajo, evolución de sus retratos de gatos durante las etapas progresivamente más graves de su esquizofrenia.

La evolución de la obra de Wain es reveladora. Siempre he sido poco partidario de atribuir los méritos artísticos de una persona a un trastorno mental. Wain tenía talento por sí mismo, como cualquier otro artista esquizofrénico lo tendría de no haber caído enfermo. Pero aparte de mostrar la tendencia de los psicóticos a sentirse fascinados por patrones geométricos complejos, el estilo de Wain, una vez liberado de las convenciones normales, terminó siendo extrañamente revolucionario. Se adelantó en décadas al arte fractal e incluso al arte psicodélico, y desarrolló todo un estilo abstracto paralelo al que estaba evolucionando en el mundo exterior, más allá del manicomio en donde estaba internado. La creciente pulsión que le llevaba  a calmarse mediante la confección de laberínticas composiciones era sólo una parte de la forma en que su pintura mostraba la degeneración de su relación con la realidad. En su etapa sana retrataba una realidad amable, idealizada: la que pedían sus compradores. Con el comienzo de la enfermedad, la realidad empezaba a mostrarse angustiosa y amenazante; más tarde era mostrada como una realidad extraña aunque aún con rasgos reconocibles, y finalmente como algo totalmente incomprensible. Evidentemente, si Wain no hubiese sido previamente un artista, sus delirantes dibujos tardíos no hubiesen tenido más interés que el puramente psiquiátrico, pero en su caso tienen, además, el aliciente de mostrar cómo un artista daba un salto evolutivo incluso a pesar de sí mismo. Su talento no desapareción con la enfermedad, sólo que ya no pudo elegir qué pintaba: la esquizofrenia le dictaba lo que tenía que hacer.

Hay muchos otros ejemplos de artistas mentalmente enfermos cuyo trabajo es digno de mención, pero quedan para otro artículo. Mientras, nos quedamos con la definición que Jean Dubuffet hizo del “arte en bruto”, resumen de lo que algunos amantes del arte buscamos en la obra de algunas personas que, precisamente al no estar condicionadas por el arte establecido, ofrecen algo verdaderamente nuevo y sorprendente:

«Intentamos mostrar la obra producida por aquellos que no han sido tocados por la cultura artística, en la cual la imitación apenas tiene un papel en la forma en que el artista dibuja (tema, selección de materiales, proceso creativo, formas de expresar una idea, ritmos, etc.) desde sus propias profundidades y, al contrario que los intelectuales, no desde las convenciones del arte clásico o del arte que está de moda. »

"El laberinto", de William Kurelek

Fuente: Jot Down Cultural Magazine

Finalmente el Nobel de Literatura para Tomas Tranströmer

2011-10-07T21:16:00.004-03:00

Nobel de Literatura 2011 para Tomas Tranströmer

La Real Academia de Ciencias de Suecia ha escogido al escritor sueco, autor de la antología 'El cielo a medio hacer'

Barcelona y Estocolmo. (Redacción y Agencias). - La Real Academia de Ciencias de Suecia ha escogido al poeta sueco Tomas Tranströmer como Premio Nobel de Literatura 2011.

El jurado le ha reconocido porque "a través de sus imágenes condensadas y translúcidas, aporta un fresco acceso a la realidad".

Tranströmer es autor de El cielo a medio hacer, una antología compuesta por 13 libros. Otras de sus obras más conocidas son Para vivos y muertos y El gran enigma.

El flamante Nobel de Literatura, en 1990, sufrió una hemiplejía que afecta su discurso, pero continúa escribiendo. Su obra, con un lenguaje modernista, expresionista y surrealista, se acerca  a la mística a partir de la vida diaria y de la naturaleza.

Nacido el 15 de abril de 1931 en Estocolmo, su nombre había figurado en repetidas ocasiones entre los candidatos al Premio Nobel de Literatura, y ahora sucede al peruano Mario Vargas Llosa.

Tras graduarse en 1950, el escritor estudio Historia de la Literatura y Poética, Historia de la Religión y Psicología en la Universidad de Estocolmo. Después de escribir varios poemas en numerosos periódicos, en 1954 Tranströmer publicó 17 dikter, uno de los debuts literarios más aclamados de la década.

Más tarde, publicó Hemligheter pa vägen en 1958 (Secrets along the way), Den halvfärdiga himlen en 1962 (The Half-Finished Heaven) y Klanger och spar en 1966 (Windows & Stones : Selected Poems), con las que se ganó la admiración de crítica y público como uno de los mejores poetas de su generación.

Tranströmer se introdujo en el mercado estadounidense gracias al autor Robert Bly en los primeros años de la década de los sesenta y, desde ese momento, el interés internacional en su poesía creció y su obra ya ha sido traducida a más de sesenta idiomas.

El poeta sueco ya había ganado los premios Bonnier, el premio internacional Neustadt, el Oevralids, el Petrach de Alemania, y el galardón sueco del Foro Internacional de la Poesía.

El premio Nobel de Literatura está dotado de diez millones de coronas suecas (1,1 millones de euros). La entrega del premio tendrá lugar el próximo 10 de diciembre en Estocolmo. El año pasado, el Nobel de Literatura fue para el escritor peruano Mario Vargas Llosa.

Un Nobel para la poesía
Traströmer es el primer poeta galardonado con el Nobel desde que la polaca Wislawa Szymborska ganó en 1996.
 

Nacido en 1931 en Estocolmo, Tranströmer se convirtió prácticamente desde su debut en una de las referencias literarias obligadas del mundo escandinavo.

La obra de Tranströmer ha sido traducida a cerca de 50 idiomas. Su nombre, además, era mencionado con frecuencia en los últimos años en las quinielas para el Nobel de Literatura.

Entre sus obras traducidas al español, están El cielo a medio hacer (editorial Nórdica) y Para vivos y muertos (Hiperion).

El hoy galardonado ha escrito también haikus, un tipo de poema originario del Japón en el que, en tres versos, se procura reproducir un instante de la naturaleza.

Además de poeta, es psicólogo y durante mucho tiempo se dedicó a la rehabilitación de delincuentes juveniles. También ha hecho traducciones literarias al sueco y ha publicado una autobiografía.

Tranströmer es el octavo escritor sueco en recibir el Premio Nobel de Literatura. Los últimos habían sido Eyvid Johnson y Harry Martinson, que lo compartieron en 1974.

Fuente: lavanguardia.com

Felíz Cumpleaños Le Corbusier!

2011-10-06T15:06:00.002-03:00

Happy Birthday Le Corbusier!

Today marks the Swiss-born French architect Le Corbusier’s birthday. Noted as one of the pioneers of modern architecture, Le Corbusier’s architecture career spanned some five decades.  Born in 1887, which would make him 124 today, Charles-Édouard Jeanneret adopted the pseudonym Le Corbusier in the 1920s. Known for both his architecture and furniture design you can visit the Galerie Anton Meier where some of Le Corbusier & Pierre Jeanneret furniture is currently on a special exhibit.   More of ArchDaily’s coverage on Le Corbusier, books, buildings, and articles can be found here.

Fuente: ArchDaily

Bob Dylan camino al Nobel de Literatura.

2011-10-05T17:10:00.000-03:00

Mañana se anuncia el Nobel de Literatura. Bob Dylan lidera las apuestas

El músico está más cerca que nunca de conseguirlo, según la importante casa de juego Ladbrokes. Dos escritores árabes le pisan los talones. Por Rolling Stone

Nunca había estado Bob Dylan tan cerca de ganar el Premio Nobel de Literatura. Las apuestas de la célebre casa londinense Ladbrokes lo alzan como el mejor posicionado para hacerse con el prestigioso galardón de la Academia sueca, que se falla mañana jueves 6 de octubre a las 13 horas. No es la primera vez que el nombre del músico se baraja en esta quiniela, pero jamás había ocupado el primer lugar en las apuestas. Probablemente, su dos contrincantes más fuertes sean el poeta sirio Adonis y la escritora de Argelia Assia Djebar, en segunda y quinta posición, respectivamente, según Ladbrokes. Para ambos autores corren vientos favorables, puesto que representan, por sus países de origen, el fulgor de los respetados movimientos revolucionarios conocidos como la Primavera Árabe.

Haruki Murakami (Tokio blues) y el poeta sueco Tomas Transtromer también suenan entre los favoritos. Mañana se despejarán las dudas, que pueden, como ha ocurrido en ediciones anteriores, zanjarse con la sorpresa de un nombre hasta ahora oculto en un discreto segundo plano. De todas formas, y citando al poeta chileno Nicanor Parra, tres versos de Bob Dylan justifican cualquier galardón, incluso el Nobel de Literatura.

Fuente: Rolling Stone

Las primeras imágenes del telescopio ALMA

2011-10-03T15:30:00.001-03:00

Parte Telescopio ALMA y revela su primera imagen del Universo

Ubicado en el desierto de Atacama, el observatorio astronómico más grande y complejo del mundo inició oficialmente sus labores científicas.

SANTIAGO.- Es una noticia esperada con ansias por científicos de todo el mundo. ALMA (Atacama Large Millimeter Array), el observatorio astronómico más grande del mundo, comenzó a funcionar oficialmente, obteniendo una imagen única de las galaxias de las Antenas, ubicadas a 70 millones de años luz.

Las galaxias de las Antenas son un dúo de galaxias en colisión distorsionadas, que se ubican en la constelación de Corvus.

Pese a que aún se encuentra en etapa de construcción, ALMA ya es el mejor telescopio de su clase. Las 16 antenas con que cuenta el complejo le permiten realizar las primeras observaciones al Universo profundo.

Es por eso que ya son miles los científicos de todo el mundo que compiten por estar entre los primeros investigadores en utilizar el moderno y único sistema de radiotelescopios, para explorar algunos de los más oscuros, fríos y ocultos secretos del cosmos.

Imagen combinada de las galaxias de las Antenas. Se compuso utilizando la observación de ALMA más las obtenidas por el telescopio espacial Hubble, de la NASA.

"Incluso en esta fase tan temprana, ALMA ya supera a todos los conjuntos submilimétricos que existen. Alcanzar este hito es un homenaje al notable esfuerzo de muchos científicos e ingenieros de regiones de todo el mundo asociadas con ALMA, quienes hicieron esto posible", dijo Tim de Zeeuw, Director General de ESO, el socio europeo en ALMA.

Cuando esté terminado en 2013, ALMA contará con 66 antenas de radio, algunas ubicadas a más de 16 kilómetros de distancia, en el llano de Chajnantor, en pleno desierto de Atacama, a una altura de 5.000 metros.

ALMA observa la luz del Universo en longitudes de onda milimétricas y submilimétricas, aproximadamente mil veces más largas que las longitudes de onda de luz visible. La observación de estas longitudes de onda largas permite a los astrónomos estudiar objetos muy fríos en el espacio, como las densas nubes de polvo cósmico y gas donde se forman estrellas y planetas, así como objetos muy distantes en el Universo primitivo.

Eso hace que este complejo sea completamente diferente de los telescopios ópticos e infrarrojos. El conjunto de antenas interconectadas funcionan como un solo telescopio gigante, por lo que las imágenes que capta son bastante distintas a las que conocemos del cosmos.

La primera imagen de ALMA se obtuvo usando solo 12 antenas interconectadas, muchas menos de las que se usarán para las primeras observaciones científicas. A medida que el observatorio crezca y se vayan incorporando nuevas antenas, aumentará exponencialmente la precisión, eficiencia y calidad de sus imágenes.

Expectación mundial

Más de 900 propuestas científicas fueron presentadas por astrónomos de todo el mundo para operar con ALMA. Solo un centenar de proyectos fueron aceptados para los primeros nueve meses de operación. Los ganadores fueron seleccionados en base al mérito científico, la diversidad regional, y su relevancia para el logro de las grandes metas científicas de ALMA.

"Estamos viviendo un momento histórico para la ciencia, en especial para la astronomía, y tal vez también para la humanidad ya que comenzamos a usar el mayor observatorio en construcción hasta la fecha", dijo Thijs de Graauw, director de ALMA.

Uno de esos proyectos en el liderado por Simón Casassus, de la Universidad de Chile. El objetivo es observar el disco de gas y polvo que rodea a una joven estrella que se encuentra a 400 años luz de distancia.

Se cree que ahí se está formando un planeta gigante gaseoso. "ALMA nos da la oportunidad de observar la formación de un planeta, o sus rastros más recientes", indica Casassus.

Especial Imágenes en HD (click aquí)

Fuente: EMOL

Un instituto de Londres gana premio Stirling

2011-10-02T18:58:00.000-03:00

Un instituto de Londres gana premio Stirling al mejor edificio europeo del año.

La Academia Evelyn Grace de Londres, diseñada por la firma de arquitectos de Zaha Hadid, ha sido galardonada con el premio Stirling 2011 a la excelencia en arquitectura que concede cada año el Royal Institute of British Architects (RIBA).

Esa moderna academia situada en el barrio de Brixton, al sur de la capital, se llevó la dotación de 20.000 libras (unos 23.000 euros) al ser elegida mejor edificio nuevo construido en Gran Bretaña u otros países de la Unión Europea, siempre que hayan sido diseñados por colegios de arquitectura con sede principal en este país.

Se trata de un instituto de secundaria diseñado por el mismo equipo de arquitects que logró ese mismo galardón el pasado año por el nuevo museo de arte contemporáneo Maxxi de Roma.

La Evelyn Grace Academy es un edificio estilizado de cristal y acero con un diseño que, según apuntaron los jueces del RIBA, "hace que los niños corran al colegio cada mañana". Es la primera escuela que gana este galardón aunque en el pasado otros siete edificios de colegios fueron finalistas.

Para Zaha Hadid Arquitects es la primera vez que se embarca en el diseño de un colegio y es también su primer proyecto a gran escala en el Reino Unido. Previamente, Hadid se encargó de diseñar un centro en Escocia, un museo en Glasgow y el Centro Acuático para los Juegos Olímpicos de Londres 2012.

Según señaló Angela Brady, la presidenta del panel de jueces, en la ceremonia celebrada la noche del sábado, la Evelyn Grace Academy constituye un ejemplo excepcional de lo que se puede lograr cuando invertimos de forma cuidadosa en un nuevo edificio para un colegio bien diseñado".

El edificio se impuso a los siguientes candidatos: El "An Gaelaras", en Derry, de O'Donnell y Tuomey; "The Angel Building", en Londres, de Allford Hall Monagham Morris (AHMM); el "Folkwang Museum", en Essen (Alemania), de la firma de arquitectos de David Chipperfield; el Velódromo Olímpico de Londres 2012, de los arquitectos Hopkins y los teatros Royal Shakespeare y Swan, en Stratford (Inglaterra), de Bennetts Associates

Fuentes: 

 elmundo.es

EFE

Bukowski. Bebedor y maldito escritor.

2011-10-02T17:16:00.000-03:00

Las diez borracheras de un escritor maldito: Bukowski

Aun habiendo pasado ya 17 años, seguimos añorando alnovelista y poeta que durante toda su vida le dio a la máquina de escribir sinsoltar la botella

Charles Bukowski en el programa de TV francés “Apostrophes” en 1978. (Sophie Bassouls/Corbis Sygma)

“Mi vida no ha cambiado, me limito a beber cosas distintas”, decía Charles Hank Bukowski (nacido en Alemania en 1920 y fallecido en Estados Unidos en 1994), francotirador de las letras y mito underground, que radiografió con saña la vil mentira del sueño americano. Desde sombríos cuartuchos en Los Ángeles, su máquina de escribir escupió 50 libros. Repasamos su beoda existencia en sus diez borracheras más apoteósicas.

El aliento del abuelo

Me dijeron que veríamos a mi abuelo, un mal hombre al que le apestaba el aliento. “¿Por qué le apesta el aliento?” “Porque bebe”.

[De La senda de un perdedor]

1927. Un día soleado, a la edad de siete años, Charles Bukowski, o Hank, como todos le llamaban, vio por primera y última vez a su abuelo Leonard, que había emigrado de Alemania a Los Ángeles en 1880. Allí, cuando ya no quedaba nadie vivo en las trincheras de la I Guerra Mundial, nació Charles, hijo de un severo soldado yanqui y de una alemana resignada que llegaron a Los Ángeles en 1922. Y le criaron en la más estricta soledad. Así que Charles creció asustado, temeroso del padre, sin afecto. Y pronto se sedimentó una coraza de ironía, rebelión y rabia. La piel del animal acorralado. Pero ese día fue antes. Los padres se quedaron en el coche. El abuelo estaba en el porche de su casa. Le llamó, y Charles se acercó con cautela a esos dos ojos brillantes. “Como luces azules observándome”, escribiría 55 años más tarde en La senda del perdedor, retrato de su infancia sin juguetes, su mejor novela: “Al acercarme, pude sentir el olor fuerte de su aliento. Pero él era el hombre más hermoso que había visto, y yo no tenía miedo”. 

Las manos del abuelo escondían dos tesoros: la Cruz de Hierro que consiguió luchando en los ejércitos del Káiser y un reloj de oro. Se los dio. Charles volvió feliz al viejo Ford T. de sus padres. Esa fue la primera vez que olió un aliento alcoholizado. Seis años después, cuando contaba 13, lo probaría. El alcohol: su primera válvula de escape. La segunda, la escritura, llegaría más tarde. 

Noches de alcohol, días de biblioteca

Llamadle efecto invernadero o lo que sea/ pero simplemente ya no llueve/ como antes./ Recuerdo particularmente las lluvias de/ la era de la depresión./ Mi padre, nunca un buen hombre/ en el mejor de los casos, pegaba a mi madre/ cuando llovía/ y yo me lanzaba/ en medio de ellos,/ “te mataré”, gritaba yo a mi padre. “Vuelve a pegarle/ y te mato”./ “Saca a este niño/ hijo de puta de aquí”./

[De No tenemos dinero, tesoro, pero tenemos lluvia]

1936. frente a él, en el salón, sus padres. La frialdad de Katherine, la madre; el odio de Henry, el padre. Quiso decírselo a su padre, “sé que me odias”, pero en vez de eso vomitó en la alfombra. Las zancadas de Henry, su mano en la nuca, rodillas al suelo. “¿Sabes qué se hace cuando un perro se caga en la alfombra? ¡Se le restriega el hocico en la mierda!” Otras noches, tras irse de farra con sus colegas, Charles entraba por la ventana. Pero esta vez habían apostado a ver quién bebía más whisky. Y Hank había ganado. Sentía vértigo, el estómago revuelto. Así que llamó a la puerta. “Otra vez borracho”, dijo la madre. “Un hijo mío no entra así en casa”, zanjó el padre. Y Charles echó abajo la puerta de una patada.

“¡Eres un perro!”, le gritaba el padre.

Las noches eran de alcohol, los días de biblioteca. Allí, escondido en el edificio  de la calle 21, acababa de descubrir a Saroyan, a Sinclair, a Hemingway, a McCullers. Gente que valoraba la verdad, que le inyectaban sangre y belleza. No patadas ni correazos en el baño como su padre. 

“¡¡Eres un puto perro!!”

La mujer gorda que le desvirgó

Ella empezó a dar botes y a girar. Me agarré e intenté coger el ritmo. Se movía muy bien, pero unas veces hacía círculos y otras iba arriba y abajo. Cogí el ritmo de los círculos, pero en el de arriba y abajo me encontré fuera del colchón varias veces.

[De Escritos de un viejo indecente]

1943. Filadelfia podía ser un buen lugar. Como Nueva Orleans o Nueva York. Lugares donde vivió, huido de casa, en los años de la guerra. Los trabajos no le duraban, y viajaba en trenes de carga, y dormía en parques, y comía palomitas, y cuando el hambre le dolía en la garganta, empeñaba su máquina de escribir y escribía a mano. También mandaba relatos fantásticos a revistas que no le publicaban.

Estaba sentado en un bar cerca de su pensión cuando entró una mujer de edad indefinida que pesaba más de cien kilos. Él la invitó a vodka. Hablaron.

“Me gusta tu cara, llena de cicatrices”.

Charles estaba muy borracho. No le dijo que las cicatrices se debían al peor caso de acné de todo los Estados Unidos de entreguerras. Le dijo, en cambio, que le iba a follar, que le metería la polla por todos los agujeros de su cuerpo. Ella sonreía.

“¿Vamos a tu casa?”. 

“Cuando cierren el bar”.

Esa noche, un hombre con la cara marcada y la mujer más gorda del mundo caminaron por las calles de Filadelfia, rumbo al cuarto de una pensión con cucarachas. Por la mañana, la cama se había desplomado. Pero Hank sonreía. Había perdido la virginidad. A los 23 años.

Botellas por la ventana

Miami era lo más lejos a donde podía ir sin abandonar el país. Llevé a Henry Miller conmigo y traté de leerlo. Era bueno cuando era bueno, y viceversa. Acabé con una botella de whisky, luego otra, y otra. Aparte de un magreo de muslo a una jovencita de pelo castaño, no ocurrió nada interesante.

[De Factotum]

1952. Llevaba seis años con Jane, su primera novia. No escribía. Vagabundeando y bebiendo. Ella no trabajaba. Él sí, trasportando sacas de cartas. El único curro que le duró años. Aunque asqueado del servilismo de sus compañeros y de la puta jerarquía, trabajaba ocho horas diarias para comprar el alcohol en el que luego, cada noche, nadaban los dos. Bebían en casa. Y tiraban las botellas vacías por la ventana. 

Esa mañana amaneció en el sofá, abrazado a Jane, que abrazaba una botella. En la oficina era un autómata lívido. Un compañero le dijo que tenía muy mala cara, así que fichó y volvió en bus a casa. Jane ya bebía, en la cocina. Le pidió que fuera a por helado. Al probarlo, vomitó. Y al despertar siguió vomitando, y se cagó encima. Vómitos y mierda con sangre.

“Ya está, mamá muerte ha llegado”, pensó, camino del hospital, bajo el rojo y azul de una sirena de ambulancia. Úlcera sangrante. Sin una transfusión se moriría. No tenía dinero, así que esperó en una habitación llena de enfermos. Un día, dos días. Enfermos y bichos y sudor y gritos. Horas de delirio cayendo por un tobogán que se adentraba en la muerte. Pero se agarró a una idea. Recordó cómo su padre alardeaba de ser donante. Se lo dijo a la enfermera y al día siguiente su padre le salvó la vida. Jane entró tambaleante en la sala. No se tenía en pie. Su padre sonreía. “La has emborrachado a propósito”, dijo Charles. “Para demostrarme algo”.

“Te dije que era mala”, respondió Henry.

“Hijo de puta. Si dices una palabra más me arranco esta aguja del brazo, me levanto y te rompo el culo a patadas”.

Jane y Henry volverían a verse una vez más, en 1955. Para ese entonces, Charles había vuelto a escribir (poesía), había vuelto a beber (primero vino con leche, luego vino, oporto, moscatel, whisky, lo que fuera) y se había enviciado a las apuestas en el hipódromo. Jane y Henry se vieron una tarde que Charles recuerda extraña. Los tres fueron de picnic y el padre estuvo amable con la pareja pensando, ilusamente, que el vientre hinchado de Jane significaba que iba a ser abuelo.

Patada al padre muerto

Recorro la casa de mi padre y observo la cama en la que durmió aquella noche, y siento que debería estirar las sábanas/pero no puedo./ Éramos exactamente iguales, podríamos haber sido gemelos, el viejo y yo: eso/ decían. Tenía sus bulbos protegidos/preparados para plantarlos/ mientras yo estaba con una puta de la calle Tres./

[De Gemelos]

1958. Había dejado a Jane y se había casado con Barbara, que no bebía tanto y le abandonó a los dos años, justo cuando murió su madre. Nueve meses después, Charles apuraba la penúltima cerveza de la mañana cuando recibió una llamada. Su padre había muerto. Charles se sintió aliviado. Se ocupó del funeral y fue a la casa donde nació. Ahora era suya. Revolvió entre las cosas de su padre. Luego regó el jardín. Allí sentado, con una botella de whisky, se dejó llevar por los recuerdos. Los domingos su padre le obligaba a cortar esa misma hierba. Si sobresalía una brizna, le pegaba.

“A la mierda con ellos”, se dijo Charles, que no tardó en vender la casa por 16.000 dólares. Se los gastó en pocos meses, en bebida, en apuestas, en mujeres. Como si en ese frenesí le atizara la última patada a todos los valores que defendía su padre.  

Me gusta el punk

Ahora que estoy colocado puedo decir que quizá Ginsberg haya sido la fuerza más provocadora en la poesía norteamericana desde Walt Whitman. Es una puta pena que sea homosexual.

[De Ensayo incoherente]

1968. Contracultura. Arte pop. Sexo libre. Manifestaciones contra Vietnam. Psicodelia. Y mientras la revuelta estalla en California, Charles intenta suicidarse, se convierte en padre, sigue repartiendo cartas, pariendo poemas y bebiéndose el mundo en míseras pensiones de Hollywood Este. Poco a poco se convierte en voz de la escena underground. En aquellos tiempos en los que nace la fotocopiadora, edita en fanzines su poesía. Sus palabras como secas puñaladas empiezan a hacerse un hueco. Combina los fanzines con publicaciones sagradas, como The Outsider.

Y todo aquel revuelo de vanguardia disidente salta el charco y aterriza en Londres, en París, en Berlín. Allí, Carl Weissner, un joven editor que traduciría toda su obra en Alemania, comienza a cartearse con Bukowski. En un viaje a San Francisco, se desvió a Los Ángeles para verle. Se suponía que Bukowski iría a recogerle al aeropuerto, pero al no verle, cogió un taxi hasta su casa. Había una nota en la puerta: “Carl. No te molestes en llamar. Quizá esté de camino. Abre la puerta y entra. Está rota de todos modos. Bienvenido a USA”.

Carl husmeó en la guarida del escritor y era todo tal y como se lo había imaginado. Penumbra, olor a podrido, latas y botellas vacías, revistas y la vieja Remington negra con un paquete de folios al lado.

“Amigo, ¿tienes mierda en las orejas?”, oyó detrás. Era Bukowski. Sonriente. Con más de 20 cervezas. Mientras abría una se disculpó por no haberle recogido. La noche anterior le habían entrevistado en una radio alternativa. “Un micrófono en una mano y un matarratas mexicano que llamaban tequila en la otra”, le dijo. “Solté estupideces hasta que me caí de la silla. Y no recuerdo nada más”.

Editor y escritor charlaron toda la noche. Sobre todo habló Bukowski. De los bares,  los caballos, de su fobia al trabajo, de su admirado John Fante o de la generación beat, “aquellos pacifistas de mierda”. Una década después diría: “Estuve borracho durante toda la época beatnik. Lo que me gusta es el punk”. Pero esa noche sentenció: “Yo escribo con las persianas bajadas. Y no puedo con esa imagen mía a lo Bogart o esos que me adoran como a un dios barriobajero de las alcantarillas de Los Ángeles. ¡Que les den por el culo!”.

19 días sin comer

Mis mareos se fueron haciendo más continuos. Las cartas se iban haciendo cada vez más pesadas. Los empleados comenzaban a adquirir aquel aspecto gris mortecino. Mis piernas apenas podían sostenerme. El trabajo me estaba matando.

[De Cartero]

1970. Sólo cuando cumplió el medio siglo Bukowski dejó su trabajo de cartero. Un editor, John Martin, que publicaría toda su obra en prosa, le había prometido cien dólares al mes si no hacía otra cosa que escribir. Así que, aquella tarde, compró en la tienda de Ned más cajas de cervezas de lo normal y se encerró en casa. Dejó que la radio inundara el cuarto con un concierto de Brahms. Se bebió tres birras frente a la máquina de escribir, enganchó el primer folio y se lanzó a un torrente de palabras que no enmudeció hasta el alba. Era fácil. Derrotado, durmió unas horas. Y volvió a la carga. Así 19 días. Sin apenas comer. La gasolina eran recuerdos empapados de cerveza. Terminó su primera novela. En ella creó a su alter ego, Henry Chinaski, y volcó todas sus frustraciones de más de 15 años en Correos. Llamó a Martin: “Ya está hecho”. “¿Qué está hecho?, preguntó el editor. “Mi novela. Ven a buscarla”. “¿Cómo se titula?”. “Cartero”.

Cuchillo en televisión

“Conozco a muchos escritores estadounidenses que matarían por estar aquí. A mí me da lo mismo”.

[Bukowski en Apostrophes, tertulia literaria televisiva del crítico Bernard Pivot] 

1978. Charles puso una condición: “Volveré a Europa si me dais dos botellas de buen vino francés mientras espero salir en antena”. Se las pimpló junto a Linda (su segundo matrimonio, la mujer que le acompañó hasta su muerte) en el estudio de Bernard Pivot, crítico literario con un programa que hoy, una tarde lluviosa de octubre, trataría sobre escritura y marginalidad. Junto a Charles, invitado de honor, habría una escritora de largas ojeras, un escritor de mostacho curvo y el loquero que trató al poeta surrealista Artaud con electroshock. Bukowski aguantó estoico el maquillaje, las luces blancas y un pinganillo en la oreja. Salió al plató mamado. Vaciló a Pivot. Y como vio que el moderador pasaba, comenzó a mascullar y a cortar la corrección de sus compañeros. “Súbete la falda y te diré si eres una buena escritora o no”, le dijo a la mujer. “¡Cállate!”, le espetó Pivot. A lo que Bukowski se arrancó el auricular, acabó la botella a morro y se piró a grandes zancadas. En la puerta del programa se armó el jaleo. Terminó agarrando a un guardia. Amenazó a todos con un cuchillo: “¡Dejadme salir de este jodido sitio!”.

Mosca de bar

“Un guión, ¿eh? ¿Sobre qué?”. “Un borracho”. “Ah, usted, ¿eh?”. “Bueno, hay otros”. “Ahora le tengo bebiendo sólo vino –dijo Sarah–. Cuando lo conocí estaba casi muerto. Whisky, cerveza, vodka, ginebra”.

[De Hollywood]

1986. Ya había escrito el guión. Se llamaría Barfly. “Mosca de bar”. Un tipo sin suerte que se pasa 20 horas al día sentado frente a la barra. Los protas: Mickey Rourke y Faye Dunaway. Sean Penn y Dennis Hopper se habían bajado del proyecto. Le llamó Barbet Schroeder, el director. Su voz tenía el timbre de los problemas. Cuando llegó, la botella esperaba sobre la mesa. “Estaba todo listo, Hank, cuando de pronto Faye, que está en Boston, se pone enferma. La tienen que operar. Estará bien en dos semanas”. “¿Y qué hicisteis?”. “Filmamos las escenas en las que no aparece. Íbamos a hacer lo mismo con Mickey, ¡pero se negó! Exige un Rolls-Royce descapotable que lo lleve al plató. Si no, no actúa. Estaba en el contrato. Así que le conseguimos uno. Pero no le pareció bien. El color. Rodamos alguna escena sin él, y le encontramos el maldito coche del color apropiado. Ya está listo para empezar a rodar”. Bukowski se sirvió la cuarta copa. “Pero quiere que tú estés allí, mirándolo”. “¿No sabe que  tengo que ir al hipódromo?”. “Dice que no hay carreras todos los días”. “Eso es cierto”. “Escucha, Hank. Quiere que escribas una escena sólo para él. Quiere decir algo frente a un espejo, un poema... Estos actores pueden ser muy difíciles. Si están descontentos, pueden destrozar la película”. “Hay que ver lo poco que importan las cosas cuando estoy borracho”, pensó Bukowski, que dijo: “Está bien. Escribiré un poema en el espejo”.

El último trago

“Ni lo intentes”. Charles Bukoswski. 1920-1994

[Epitafio sobre su tumba]

1994. Un día primaveral se enterró el cuerpo del escritor, que llevaba dos años luchando contra una leucemia que le había apartado de los bares aunque no de la escritura. Pulp, su última novela, apareció un mes antes de que el corazón frenara en su casa de San Pedro, California, que había comprado con Linda, su segunda esposa. Allí estaba ella con ropas hippies, junto a su hija Marina. “La primera palabra que aprendí de bebé fue licor”, recordó ella, mientras las paletadas de tierra, como latidos de una máquina de escribir, cubrían el féretro de su padre.

También había escritores, poetas, editores, traductores y amantes. Pero la mayoría de aquel centenar de personas que acudió al cementerio era gente corriente, vecinos del bebedor. Uno de ellos sacó una botella de Scotch (whisky escocés) del bolsillo y la vació junto a la tumba. Para el viaje... Tras poner la lápida, tres monjes budistas cantaron en un idioma que a todos les pareció extraño. Sean Penn, amigo del difunto, comentó en voz baja al poeta Gerald Locklin: “¿No saben que esto es Estados Unidos? ¿Por qué coño no cantan en inglés?”.

Tomado de: Rolling Stone (España). Septiembre 24, 2011.

Fuente: operamundi

Rollos del Mar Muerto ya pueden verse en línea

2011-09-27T14:22:00.000-03:00

Rollos del Mar Muerto ya pueden verse en línea

El Museo Nacional de Israel y Google están involucrados en el proyecto.

Un fragmento digitalizado de uno de los Rollos del Mar Muerto. 

    Foto EFE/Ardon Bar-Hama

Jerusalén.- El Museo de Israel ha presentado hoy con Google el proyecto de digitalización de los rollos del Mar Muerto, una iniciativa que universaliza el contenido del que es el testimonio escrito más antiguo de las costumbres y prácticas de la región hace 2.000 años.

Escritos en hebreo antiguo y en arameo, el Museo ha subido a internet cinco de los ocho rollos en su poder, en lo que el director de la institución, James Schneider, calificó de un “perfecto matrimonio” entre la tecnología y la historia.

Fotografiados página por página con una cámara especial de alta resolución, los rollos han sido después procesados y montados hasta darles su forma original.

"Internet ha roto las barreras que había entre la información y la gente (..),” explicó Yossi Matias, jefe de I+D de Google Israel, quien destacó la importancia de “universalizar” este tipo de contenidos.

Por el momento, el motor de Google sólo traduce al inglés el principal de los rollos, atribuido a Isaías, pero está prevista también su traducción al español -entre otros idiomas preferentes-, dijo a Efe el comisario del Palacio del Libro, Adolfo Roitman.

Encontrados de manera fortuita por un pastor en 1947 en unas cuevas ubicadas en Qumran, un importante yacimiento arqueológico próximo al Mar Muerto, esos textos en pergamino contienen fragmentos de todos los libros del Antiguo Testamento, excepto el de Esther, así como varios apócrifos y escrituras de sectas.

Repartidos en más de 30.000 fragmentos, el Museo custodia ocho de los rollos en un edificio con forma de tapa de tinaja, pero existen otros en poder de la Autoridad de Antigüedades de Israel y coleccionistas privados.

Los manuscritos aquí (Haz click)

Fuentes: La Segunda
EFE

CERN: Neutrinos alcanzan una velocidad superior a la de la luz.

2011-09-23T21:01:00.000-03:00

Director de CERN pide prudencia ante descubrimiento que cuestionaría la teoría de Einstein

Santander (España).- El director general del laboratorio de física europeo CERN, Rolf Heuer, lanzó hoy un mensaje de prudencia ante los primeros resultados de un estudio que indican que los neutrinos alcanzan una velocidad superior a la de la luz.

Heuer, que participa en la 33 Bienal de Física que se celebra en Santander, animó a la comunidad científica a verificarlo ya que el descubrimiento podría ser “revolucionario” pues cuestionaría la teoría de Einstein de que nada supera la velocidad de la luz.

El responsable del CERN explicó que existe un estudio en Estados Unidos con unos resultados que van “en la misma dirección,” aunque matizó que con una menor resolución.

Heuer quiso dejar claro que este descubrimiento no supone que la teoría de Einstein sea errónea, porque pueden existir diferentes interpretaciones sobre el hallazgo, y añadió que es el momento de que los teóricos se “coman la cabeza.”

Sobre las posibles consecuencias que, de confirmarse, tendría el descubrimiento, el director general del CERN aclaró que no repercutirá en la vida diaria, aunque sí en el conocimiento y la forma de entender el universo.

Los primeros resultados de la experiencia internacional OPERA acerca de la mayor velocidad de los neutrinos que la luz fueron avanzados hoy en París después de unas pruebas realizadas en el CERN.

El Centro Francés de Investigaciones Científicas (CNRS) dio cuenta de la prueba llevada a cabo desde las instalaciones del CERN en Ginebra, con el lanzamiento de neutrinos, partículas subatómicas, disparadas hacia un laboratorio italiano a 730 kilómetros de distancia.

El centro galo calificó el resultado con los neutrinos de "sorprendente” aunque se está a la espera de la presentación oficial de los resultados en la ciudad suiza esta misma tarde.

Según explicaron en París, los neutrinos llegaron a su destino, en Gran Sasso, 60 nanosegundos más rápidos que la luz, que cubre esa distancia en 2,4 milisegundos.

Fuente: La Segunda

El color de la Luna

2011-09-10T17:55:00.000-03:00

El color de la Luna

Si crees que la Luna es un mundo monocromo de un aburrido gris cenizo, deberías ver estas imágenes de la sonda LRO (Lunar Reconnaisance Orbiter). Aunque obviamente no se puede comparar con nuestro planeta, existen variaciones de color en la superficie lunar que dependen de la concentración de dióxido de titanio (TiO₂) y monóxido de hierro (FeO) presentes en el regolito.

Los distintos colores de la superficie lunar (exagerados). La imagen ha sido realizada a partir de siete tomas en longitudes de onda distintas. El azul corresponde a 320 nm, el verde a 415 nm y el rojo a 689 nm. La imagen cubre unos 1000 km (LRO/NASA).


Detalles de la zona anterior. Se destacan las zonas de alunizaje del Apolo 11 y 17 (LRO/NASA).

El tono oscuro del basalto de los mares lunares se debe a su alto contenido en FeO, mientras que la mayor cantidad del TiO₂ les dota de un color ligeramente azulado. En esta imagen de la cámara WAC/LROC podemos comparar los distintos colores del Mare Tranquilitatis -más azul debido a su mayor contenido de TiO₂- y el Mare Serenitatis.

Otro factor que afecta al albedo es el tamaño medio de los granos del regolito. Por ejemplo, la zona del Apolo 17 es más oscura debido a la presencia de material piroclástico, además de óxidos de hierro y titanio. Más de un 10% de la masa del basalto de los mares puede estar formada por TiO₂, mientras que en los basaltos terrestres esta cantidad no suele superar el 3%.

Entender el porqué de estas diferencias resulta clave para poder dilucidar los procesos de formación de nuestro satélite.

En esta imagen tomada por la sonda Galileo en 1992 se aprecian las diferencias cromáticas (exageradas) de nuestro satélite (NASA).

Fuente: Eureka

El Panteón de Roma, ¿un gigantesco reloj solar?

2011-08-20T17:23:00.006-04:00

El Panteón de Roma, ¿un gigantesco reloj solar?

Lleva casi dos mil años acompañando a los vecinos de Roma –unos  ciento cincuenta años más si contamos al primer edificio, construido por  Agrippa en tiempos de Augusto[1]–,  y en la actualidad es visitado a diario por miles de turistas. Sin  embargo, y por sorprendente que pueda parecer, los expertos todavía  desconocen cuál pudo ser la auténtica función del célebre Panteón. De hecho, las únicas menciones de época romana sobre el recinto corresponde a breves citas de Plinio el Viejo –que se refirió al templo primitivo– y Dión Casio, quien precisamente habla de él respecto a las razones del origen de su nombre, señalando que el de Panteón –”templo de todos los dioses”–, no había sido el original.

En  cualquier caso, una visita al antiguo edificio, especialmente en un día  soleado, deja clara una cosa: la luz solar, que penetra únicamente a  través del oculus -una abertura circular de 8’3 metros de  diámetro situada en el centro de la cúpula semiesférica-, parece haber  jugado un papel destacado en su función y simbolismo, fuera cual fuera.

Y de hecho, no han faltado en las últimas décadas algunos estudios  que pretendían ahondar en este sentido. El último de ellos, y el más  completo hasta la fecha, ha llegado de la mano dos investigadores –el  italiano Giulio Magli, del Politécnico de Milán, y el neozelandés Robert Hannah, de la Universidad de Otago–, quienes en el último número de la revista Numen  –especializada en historia de las religiones– proponen que el Panteón  pudo haber sido diseñado en función de ciertas orientaciones  astronómicas que sirvieran para dotarlo de un significado religioso que  reafirmara el poder divino del emperador.

El  origen de este estudio se remonta al año 2005, cuando Hannah –profesor  de cultura clásica en la universidad neozelandesa– visitó el edificio  durante el transcurso de una investigación. Fue entonces cuando se fijó  con detenimiento en el curso que la luz solar que penetra por el oculus  realiza a lo largo del año. Durante los meses de invierno, la luz del  sol del mediodía realiza una trayectoria que va iluminando la parte  interior de la cúpula. En verano, por el contrario, y con el astro rey  en lo más alto, la luz impacta en los muros inferiores y el suelo.

Curiosamente,  Hannah se percató de que coincidiendo con los equinoccios, la luz del  sol que penetra a través del óculo al mediodía incide directamente en el  punto concreto sobre la puerta de entrada del recinto, atravesándola e  iluminando el atrio de entrada. Aquel curioso fenómeno juego de luces  debía tener un significado, ¿pero cuál? Algunos años después, en 2009, y  tras continuar con sus investigaciones, Hannah daba a conocer los  primeros resultados de su estudio. En su opinión, el Panteón podía haber  sido empleado como una especie de “reloj solar” gigante, pues algunos  ingenios de la época –aunque en escala reducida–, tenían una forma  similar y cumplían dicha función, permitiendo señalar las distintas  épocas del año. Hannah, sin embargo, añadía un detalle más: el célebre  templo romano no habría sido simplemente un reloj solar de dimensiones  colosales, si no que habría jugado un importante papel religioso  vinculado con la imagen divinizada del emperador.

En un intento  por concretar y corroborar su hipótesis, el investigador neozelandés se  puso en contacto con Giulio Magli, un profesor de matemáticas en el  Politécnico de Milán que ha dedicado los últimos años al estudio de la  arqueoastronomía o “astronomía cultural”, y que ha publicado distintos  estudios en este campo, entre ellos varios trabajos relacionados con la  orientación astronómica de templos y ciudades en época romana. Aunando  esfuerzos y conocimientos, Magli y Hannah creen haber descubierto la  posible función del Panteón en época imperial. Teniendo en cuenta el  singular juego de luces que se produce en el recinto dependiendo de la  época del año, los dos estudiosos proponen que su simbolismo fue  especialmente señalado en dos momentos concretos: el equinoccio de  primavera y el 21 de abril, respectivamente.

En el primero de estos momentos, durante el equinoccio de primavera y con el sol del mediodía a unos 48º, el haz de luz que atraviesa por el óculo ilumina justo el punto de unión entre los muros y el arranque de la cúpula, aunque parte de la luz incide justo sobre la puerta de entrada (en el lado norte), iluminando el atrio de columnas.

El  hecho podría haber sido meramente anecdótico de no ser porque para los  antiguos romanos, durante los equinoccios la relación entre el emperador  (a quien se identificaba o se consideraba bajo la protección de Apolo,  el dios de la luz y el sol) y la esfera celeste era mucho más estrecha, y  de forma más especial en el equinoccio de primavera. Así, según  proponen Magli y Hannah, en el Panteón de Roma se escenificaría,  literalmente, la apoteosis  del emperador: es decir, su elevación junto a los dioses. Al acudir a  mediodía del equinoccio hasta el templo romano, “habría sido iluminado  como si se utilizaran las luces de un estudio de cine”, explica Magli.  Toda una hierofanía  –manifestación de lo sagrado–, con la finalidad de representar la  elevación del emperador al reino de los dioses, “una afirmación  cosmológica de su poder divino cuando entraba en el edificio”, añade el  investigador italiano.

Algo muy similar se habría registrado durante las visitas del emperador al templo cada 21 de abril. En esa fecha –en la que la tradición celebraba la fundación de Roma–, el efecto luminoso es muy similar al anterior, con la luz del sol de mediodía incide directamente en la puerta de entrada. En este caso, según el estudio publicado en Numen, la escenografía habría tenido como finalidad celebrar la fundación de la ciudad, vinculándola con los dioses. Al acceder al templo en dicha festividad, el emperador era “invitado” por el sol a penetrar en el mismo, “situando a Roma entre los dioses”.

Como respaldo a su hipótesis, Hannah y Magli señalan la existencia no  sólo de instrumentos de la época con funciones astronómicas y un diseño  similar al del Panteón (aunque en miniatura), si no también de recintos  vinculados a distintos emperadores, como la Domus Aurea de Nerón, o el Ara Pacis, el horologium y el Mausoleo de Augusto, en los que también existen evidencias de un diseño influido por cuestiones astronómicas.

————————————
Para saber más:
-BELMONTE, Juan Antonio. Las leyes del cielo. Ed. Temas de Hoy. Madrid, 1999.
-GARCÍA BLANCO, Javier. Diez santuarios unidos al Cosmos, en Planeta Sapiens.
-HANNAH, Robert & MAGLI, Giulio. “The role of the sun in the Pantheon’s design and meaning”. Numen. Volúmen 58, nº 4, 2011 , pp. 486-513.
-MAGLI, Giulio. “The Pantheon, Rome, Italy”. Heritage Sites of Astronomy and Archaeoastronomy in the context of the UNESCO World Heritage Convention. Junio 2010. ICOMOS.

[1]  El templo original, construido por Agrippa en tiempos de Augusto (en  torno al año 27 antes de nuestra era) resultó destruido por un incendio  en época de Domiciano. Más tarde se procedió a levantar un nuevo templo  –el que podemos contemplar hoy en día–, ya durante el mandato de  Adriano, cuya construcción se concluyó hacia el 128 de nuestra era.

Fuente: Amazings

La ESA intentará desviar un asteroide en 2015

2011-08-20T17:13:00.005-04:00

La ESA intentará desviar un asteroide en 2015

Tarde o temprano teníamos que intentarlo. Las estadísticas demuestran que cada unos cuantos miles de años nuestro planeta recibe el impacto de un trozo de roca espacial más o menos grande, algo que en la actualidad -con la Tierra rebosante de humanos- constituiría una terrible catástrofe, aún tratándose de un pedrusco pequeño. Con el transbordador espacial desactivado y Bruce Willis cada vez más viejo, una misión “a lo Armageddon” ha dejado de ser una alternativa viable, así que la Agencia Espacial Europea ha planeado estrellar un proyectil de 500 kilogramos de peso, moviéndose a unos 10 Km/s, contra un asteroide y analizar los resultados. Si todo sale bien, podríamos utilizar algo similar cuando Apophis vuelva a rozarnos en 2036.

La amenaza de que el impacto de un asteroide nos envíe en un segundo y sin escalas nuevamente a la edad de piedra no suele preocupar a mucha gente. A pesar de que este tipo de impacto contra nuestro planeta se produce con bastante regularidad, el enorme espacio de tiempo que transcurre entre uno y otro permite que vivamos nuestras cortas vidas sin que el estrés provocado por dicha posibilidad nos provoque una úlcera estomacal. Sin embargo, esto no hace que esta amenaza deje de ser real. Por primera vez en la historia de nuestro planeta, los seres vivos que lo habitan están en condiciones de “hacer algo” para evitar ser machacados por un asteroide. Sin embargo, aunque nuestra tecnología provee las herramientas necesarias, no parece que estemos haciendo demasiado para prevenir una catástrofe de ese tipo.

Una sonda robótica, llamada “Sancho”, enviará datos y resultados a la Tierra.

Hace unas semanas la NASA comenzó a convertir en chatarra sus transbordadores espaciales. Esto hizo añicos el plan favorito de Hollywood, que consistía en mandar cuatro tipos rudos rumbo al malvado asteroide, para que mientras la bella protagonista sufría en la Tierra, lo detonasen con una bomba atómica. Lo cierto es que dicho plan probablemente nunca hubiese funcionado. Por eso la Agencia Espacial Europea (ESA) está preparando un proyecto bastante más realista, que consiste en enviar contra el asteroide un gran proyectil a una enorme velocidad para que su energía cinética lo desvíe o destruya. El evento podría probarse en 2015, cuando “Hidalgo”, una masa de 500 kilogramos desplazándose a unos 10 mil kilómetros por hora, impacte contra un asteroide elegido como blanco. Y mientras ese acontecimiento tiene lugar, una segunda sonda robótica, llamada “Sancho”, enviará datos y resultados a la Tierra. La misión se llamará “Don Quijote” y si funciona, podría utilizarse para desviar a esa espada de Damocles llamada Apophis cuando vuelva a rozarnos en 2036.

La misión, en el sitio de la Agencia Espacial Europea

INQUIETANTES CONSTRUCCIONES ABANDONADAS POR EL MUNDO

2011-07-30T14:43:00.007-04:00

Lo abandonado es un ejercicio de imaginación que nos desafía a pensar en los tiempos mejores que alguna vez existieron. Quietos, polvorientos y llenos de secretos que descubrir, muchos nos sentimos fascinados por el deshaucio y lo moribundo. Y el mundo está lleno de lugares paralizados por el tiempo y la ausencia. Algunos son más inquietantes que otros. En el enlace, los más inquietantes según el autor. 51 construcciones para sentir que la Tierra no gira tan rápido.

Aquí las 4 que encabezan el ranking. Para ver todas y votar tu favorita, haz click en el siguiente enlace:

Las construcciones abandonadas más inquietantes (Lista completa):

1. La estación internacional de Canfranc

El proyecto de Canfrac comienza a  principios del siglo XIX en colaboración con el gobierno francés. Su  desmesurado tamaño, tan solo superado en Europa por la estación de  Leipzig, se debe al afán de modernidad y como muestra  del buen momento  que se vivía en ambos países en el comienzo de siglo... Ver mas

2. Las fortalezas marinas Maunsell

Fueron instalados en el estuario  del Támesis en 1942 y de los que se hizo cargo la Royal Navy, para  combatir los ataques aéreos alemanes en la II Guerra Mundial. Estos  constaban de dos enormes pilares de cemento y hormigón que se montaban  sobre unos pontones flotantes que, tras ser remolcados... Ver mas

3. Ca' Dario, la casa que mata

Ca’ Dario, en Venecia,  es un  lugar maldito cuyos propietarios, desde el primero en 1487 hasta el  último en 1993, han muerto de modo violento uno tras otro después de  adquirir el inmueble, en un reguero de sangre que se prolonga hasta  nuestros días. En sus cinco siglos de existencia se pueden... Ver mas

4. Ciudad de Pripiat

Prípiat es una ciudad fantasma en la zona de alienación al norte de Ucrania en la región de Kiev, cercana a la frontera con Bielorrusia. Debe su nombre al río que atraviesa la ciudad. Esta ciudad es conocida porque sufrió los efectos del peor accidente de la historia de la energía nuclear el 26... Ver mas

Fuentes:

http://listas.20minutos.es

http://www.neoteo.com

Las modas van, vienen, pasan de moda.

2011-07-24T16:08:00.020-04:00

¿Porqué dejamos de usar sombrero?
Quizás sea hora de usar esta prenda...

Multitud de personas en un Domingo de Pascua. Casi todos con sombreros Bombín. Nueva Jersey 1905

A través de unas imágenes congeladas en el tiempo buceamos en la historia de esta prenda y reivindicamos la vuelta del uso del sombrero que además de ofrecer una magnífica protección contra las inclemencias del tiempo, puede otorgarnos un bonito look y un inigualable estilo.

El uso del sombrero se remonta hasta la prehistoria en donde se utilizaban retazos de piel para protegerse la cabeza del frío. El primer registro conocido de sombrero con alas es del siglo V a.C. en Grecia, que era usado por cazadores y viajeros para protegerse del sol y la lluvia y lo usaban tanto en la ciudad como en el campo, aunque el uso principal era en el campo. Este sombrero fue luego empleado por los romanos y los etruscos, difundiéndose durante la Edad Media por toda Europa.

Dos fotógrafos posando, el de laizquierda es el famoso "Artie" Leonard. Washington DC 1919

Bombín clásico a la izquierda y su representación moderna.

Lo cierto es que por demostración de poder, protección, higiene, abrigo, diferenciación social o seducción, se han utilizado históricamente prendas para cubrir la cabeza como sombreros, gorros o boinas. Según las épocas hubo modelos que hicieron furor como el Bombín, el canotier, Panamá, el Borsalino, Fedora, el Chambergo o las boinas y gorras.

Ciudadanos pagando sobre la renta. Washington 1920

Ciudadanos en fila esperando su turno en el Servicio de Rentas Internas, talonario de cheques en mano, para pagar el impuesto sobre la renta. Es masivo el uso de sombreros Borsalinos y algún que otro Bombín. Cinco millones de personas visitaron la Oficina de Rentas Internas para liquidar el impuesto sobre la renta de 1919, según las estimaciones realizadas. Las oficinas de Washington estaban repletas desde la apertura hasta el cierre.

Haciendo cola para votar, condado de Arlington, Virginia 1924

El candidato presidencial demócrata John W. Davis, que aparece en los carteles que portan los electores, ganó en Virginia y el resto del Sur pero perdió todos los demás estados del país, incluyendo su estado natal de Virginia Occidental. Derrotado por el titular republicano Calvin Coolidge se retiró de la política y volvió a su profesión en la que terminó su carrera. También hay mujeres utilizando su nuevo derecho a votar obtenido sólo cuatro años antes. Todos, menos el niño, llevan sombrero.

Borsalino (Fedora) clásico a la izquierda y su reinterpretación moderna.

El uso del sombrero comenzó a desaparecer en los años sesenta cuando figuras tan reconocidas y admiradas como Elvis Presley, los Beatles o el propio presidente norteamericano John Fitzgerald Kennedy renegaron de su uso decididos a mostrar su pelo. A ello también ayudó la generalización del uso del automovil cerrado, al poder desplazarnos de manera resguardada. Solo el sombrero deportivo sigue siendo un accesorio muy usado entre los hombres.

Entrada al Teatro Keith, Filadelfia 1904

Asistencia masiva a la actuacion de la cantante de vodevil Gertrude Hoffman, una bailarina exótica que coqueteaba con los límites de la decencia moral en aquella época. Letra y música de Max Hoffmann, compositor con la que Gertrude estaba casada. Se observa en la foto el uso generalizado del Bombín. La direccion exacta donde la foto ha sido tomada es el 1116 Chestnut Street de Filadelfia.

Pareja posando delante de una tienda Victrola. Washington 1915.

El caballero, del que desconocemos su identidad, lucía un imponente sombrero de copa y la pareja impecablemente vestida posa delante de una tienda Victrola que por aquella epoca era el principal productor estadounidense de fonógrafos y discos de vinilo y una de las empresas de fonografía líder en el mundo. Como nota curiosa se observa que el perro debía estar moviendo la cola ya que ésta aparece desenfocada.

Sombreros de Copa o Chisteras actuales, el negro de lana, el otro de fieltro.

El conductor ataviado con un Canotier parece bastante corpulento, detalle que puede pasar inadvertido debido a la enormidad del automovil donde está sentado. El coche es un Marmon 1914 "48" turismo de siete pasajeros, que costaba la friolera cantidad de 5.000 dólares, una suma asombrosa en aquellos días.

Escena calle San Agustín, Texas. 1939.

Se observa gran variedad de tipos de sombreros. La gran altura de la acera parece indicar que actuaba como muelle de carga para los almacenes del tramo de esa calle.

Panamá realizado por Stetson para Harry Truman, Presidente de Estados Unidos 1945 a 1953. A la derecha uno actual.

Old Corner Bookstore. El edificio fue el primero construído con ladrillos en Boston 1900.

Parece que la librería está de promoción. Todas las personas con sombrero sobre todo Canotier y Bombín y uno creo que lleva una gorra. Para los aficionados a los viajes en el tiempo digno de destacar sería si la persona apoyada en la esquina estuviera hablando por teléfono movil, cosa que parece pero que evidentemente es una ilusión.

Excursionistas embarcados en el vapor Tashmoo a punto de partir, Detroit 1900

Boinas actuales.

A través de unas imágenes congeladas en el tiempo, reivindicamos la vuelta de esta prenda que además de ofrecer una magnífica protección contra las inclemencias del tiempo, puede otorgarnos un bonito look y un inigualable estilo.

Expert Truss Fitting Main Street, Buffalo en Nueve York 1900.

Sombreros Canotier actuales.

Expectadores en el partido donde Carlisle venció 34 - 20 a Georgetown, Washington 1912.

Fuentes: Wikipedia, Shorpy.

Evelyn Glennie muestra cómo escuchar

2011-07-02T17:40:00.004-04:00

Evelyn Glennie en TED
Evelyn Glennie muestra cómo escuchar:

"El silencio es uno de los sonidos más fuertes que existen".
Evelyn Glennie (19 Julio de 1965) es una prestigiosa percusionista que ha actuado con las mejores orquestas, bajo la dirección de grandes maestros y en compañía de extraordinarias figuras. Nada de esto sería inusitado, si no fuera porque Glennie padece una sordera progresiva. Nana Vasoncelos, Kodo, Bela Fleck, Bjork, Bobby McFerrin, Sting, Kings Singers, el Coro del Tabernáculo Mormón, Murray Perahia y Fred Frith son algunas de las personalidades que han compartido cartelera con ella. Por eso, y a pesar de lo contraintuitivo que pueda parecer, Evelyn se encuentra en una posición privilegiada para ayudarnos a oir mejor. En esta demostración , Evelyn Glennie lleva a la audiencia a través de una exploración de la música como notas en una página, sino como una expresión de la experiencia humana. Jugar con la sensibilidad y los matices informado por un alma profunda comprensión de la conexión a la música, habla de una música que es más de ondas de sonido percibido por el oído humano.

Ella muestra una imagen más rica, que comienza con la escucha a sí mismo, e incluye la emoción y la intención, así como el complejo papel de los espacios físicos – de instrumentos, sala de conciertos y hasta los huesos y cavidades del cuerpo del músico y auditor. (Grabado en febrero de 2003 en Monterey, California. Duración: 32:20.)

Porque escuchar música implica mucho más que oírla. En especial su Documental Touch the Sound (2004), dirigido por Thomas Riedelsheimer y la colaboración de Thomas Riedelsheimer. Más que una charla, una lección de vida.

Fuentes:
SonidosUSB
Wikipedia
NeoTeo

La Silla Eléctrica.

2011-06-25T19:41:00.010-04:00

Historia de la silla eléctrica... Sí, y no vengan con que ustedes no tienen morbosidad frente a esto.

La historia de la silla eléctrica, uno de los artefactos que  la tecnología ha puesto a punto especialmente para matar gente, es rica en  hechos curiosos. A pesar de lo atroz de su concepción, desde hace casi 120 años  se la ha empleado sin pausa para freír -literalmente- seres humanos.  Inventada por Harold P. Brown, un empleado de Thomas Edison (quien colaboró  activamente en su desarrollo), fue "estrenada" en 1890 por William  Kemmler, aunque antes habían pasado por ella varios animales, incluido un viejo  elefante llamado "Topsy". 

La silla eléctrica es una máquina de matar. Fue inventada en  los Estados Unidos hace más de 120 años, y a pesar de que su “edad de  oro” hace tiempo que quedó atrás, aún se sigue utilizando en algunos  estados de ese país. Hizo su debut el 26 de agosto de 1890, día en que  William  Kemmler -quien había asesinado a su amante Tillie Ziegler con un hacha- se sentó  en ella a esperar que más de 2000 voltios lo enviasen al otro mundo rápidamente  y sin dolor. Lamentablemente, como veremos más adelante, estas son dos  características que la silla eléctrica no  posee.

La historia de este nefasto artefacto está  plagada de hechos curiosos y -lejos de lo que sus creadores pregonaban- repleta  de casos fallidos. La silla eléctrica fue inventada por un empleado de  Thomas Edison llamado Harold P. Brown. El  origen del proyecto se debe a la resolución de un comité que se reunió en Nueva  York en 1886, para determinar un nuevo sistema de ejecución que fuese más humano  y que remplazase a la horca utilizada hasta entonces. El diseño de Brown  utilizaba la corriente alterna que se hacía circular a través del cuerpo de los  condenados. Un par de electrodos, ubicados en la cabeza y una de las  extremidades de la víctima aseguraban que el flujo eléctrico circulase sin  problemas y causase una muerte rápida, limpia y sin dolor.

La primera ejecución tuvo lugar en la prisión de Auburn, Nueva York.

La elección de la corriente alterna no fue -en absoluto- fruto de la  casualidad. En esa época, Edison libraba una verdadera batalla de ideas contra  Nikola Tesla. Mientras que Tesla aseguraba que la corriente  alterna era la mejor alternativa para distribuir la electricidad a todos los hogares (algo que la historia confirmaría más tarde),  Edison insistía  en usar corriente continua. Lógicamente, Edison no quería que se eligiese su  sistema eléctrico, porque temía que los consumidores no quisiesen tener en su  casa el mismo tipo de corriente eléctrica que servía para matar seres humanos.  Algunos historiadores dejan completamente fuera del desarrollo de este invento a  Edison, mientras que otros -situados en el extremo opuesto- aducen que el famoso  inventor utilizó a Brown para no perjudicar su imagen inventando un sistema de  ajusticiamiento. La verdad debe encontrarse en algún punto intermedio, ya que  -aunque no la haya inventado- es difícil que Edison no estuviese al tanto y  colaborase con el desarrollo de su empleado Brown.

Para demostrar que la  corriente alterna era más eficaz a la hora de matar, Brown experimentó con  varios animales. Como no sabía si el “sistema” era  “compatible” con cualquier tipo o tamaño de ser vivo, incluyó una gran  variedad de cobayos y un elefante de circo llamado "Topsy". A menudo,  Brown invitaba a representantes de la prensa para que presenciaran sus ensayos.  Todos estos experimentos se efectuaron en el laboratorio de Edison a lo largo de  (principalmente) 1888. Finalmente, el duro trabajo de Harold fue  recompensado: la silla eléctrica de corriente alterna fue aprobada por  el comité en 1889. Al año siguiente, Kemmler tendría el dudoso honor de  ser el primer humano ejecutado en ella.

Se trata de una máquina de matar sumamente simple.

Los abogados de Kemmler apelaron, argumentando que la electrocución  era un castigo cruel e insólito. El mismísimo George Westinghouse  -partidario declarado del uso de la corriente alterna como estándar en la  distribución de electricidad- apoyó su petición. Sin embargo, la petición falló,  en parte debido al apoyo de Thomas Edison. La ejecución se llevó a cabo en la  Prisión Auburn, en Nueva York, el 26 de agosto de 1890. El Primer Electricista  Estatal, Edwin Davis, revisó las conexiones de la silla. Luego, Kramer fue atado  en ella. La ejecución fue un espanto. La primera tentativa fracasó, y Kemmler  saltó como loco durante los 17 segundos que duró el intento. Al final de ese  plazo seguía vivo y gimiendo de dolor. Se aumentó el voltaje a 2000 voltios,  pero como el generador necesitaba un tiempo para volver a funcionar, Kramer  -con buena parte de su cuerpo quemado- tuvo que esperar  sentado. El segundo intento duró más de un minuto, y la escena fue  descrita por los presentes como “espantosa”. El olor a carne quemada  era insoportable, y salía humo de la cabeza de Kemmler. Finalmente, murió. Más  tarde, Westinghouse comentó con ironía: "Mejor hubieran usado un  hacha."

En realidad, el funcionamiento de la silla eléctrica es  bastante fácil de explicar. El condenado se ata a una silla hecha de material aislante, y se le coloca un electrodo en la cabeza y  otro en una de sus  piernas. Cuando todo está dispuesto, se aplican dos choques  eléctricos a lo largo de “varios minutos”, ya que el tiempo exacto de  la ejecución varía de una persona a otra. La tensión inicial es de más o  menos 2000 voltios y sirve para romper la resistencia de la  piel y -con un poco de suerte- causar la inconsciencia. Luego, se baja el  voltaje hasta unos 440 voltios para evitar que el prisionero -literalmente- se  queme. Se utiliza un flujo de corriente de unos 8 amperes, y el cuerpo del  condenado alcanza temperaturas del orden de los 60 °C. Como es de imaginar, la  muerte llega por el daño que provoca el flujo de la corriente eléctrica en los  órganos internos.

Willie Francis gritaba "¡Paren! ¡Déjeme respirar!" mientras era electrocutado.

La teoría dice que la inconsciencia debe producirse en una fracción de segundo. Sin embargo, no son pocos los desafortunados cuyos pelos y piel han comenzado a arder mientras que siguen conscientes y agitándose como locos. En un caso, el transformador encargado de suministrar la corriente del dispositivo se quemó, y el reo tuvo que aguardar (gritando de dolor) en el suelo del cuarto de ejecución mientras los técnicos lo reparaban. En 1946, la silla eléctrica no fue capaz de matar a un condenado llamado Willie Francis, quien gritaba "¡Paren! ¡Déjenme respirar!" mientras era electrocutado. El motivo del fallo fue que un ayudante ebrio había instalado mal la silla. El caso fue llevado a la Corte Suprema de Justicia de los Estados Unidos, ya que los abogados del condenado argumentaban que su cliente “fue ejecutado tal como lo ordenaba la sentencia judicial: no murió pero igual se cumplió la sentencia”. El argumento fue rechazado y Francis -con un susto de muerte- volvió a la silla eléctrica al año siguiente. Esta vez, la silla hizo su trabajo y el reo murió como estaba previsto.

Su imagen se ha utilizado hasta para vender refrescos.

La silla eléctrica ha caído en desuso. Y no es para menos: aún en aquellos casos en que la ejecución se lleva a cabo correctamente, siempre se quema algo de piel y es desagradable para los guardias el tener que separar la piel quemada de los cinturones de la silla. El reo, por lo general, pierde el control de sus músculos después del primer choque eléctrico y puede llegar a defecar u orinar. Nada de esto proporciona una buena imagen al estado, por lo que ha ido paulatinamente cediendo el lugar a la inyección letal. La última vez que se usó la silla eléctrica fue el 12 de septiembre del 2007 a las 6:25 GMT, cuando Daryl Holton de 45 años fue electrocutado en Tennessee al preferir este método de ejecución a la inyección letal. Actualmente, los únicos lugares en el mundo que aún utilizan la silla eléctrica como una opción de ejecución son los estados estadounidenses de Alabama, Florida, Carolina del Sur, Tennessee y Virginia. ¿No es una locura?

Visto en: http://www.neoteo.com

Curiosidades y Edificatoria.

2011-06-01T19:17:00.013-04:00

Cuatro edificaciones temporales que terminaron siendo permanentes

Desde siempre, en todas las civilizaciones, ha existido una curiosa dicotomía que se ha perdido en nuestra época. Desde la revolución urbana en Sumer que pone fin al Neolítico, los humanos comenzamos a diferenciar dos tipos de estructuras de entre todas las que se comenzaban a construir. Por una parte se erigían construcciones pensadas para durar eternamente, general y únicamente de tipo religioso. Estas se realizaban en los mejores materiales constructivos existentes y podríamos decir que son las que han hecho avanzar la arquitectura con nuevas mejoras y técnicas. Por otra, viviendas y equipamientos civiles, sin la más mínima intención de perdurabilidad.

Los zigurats babilónicos; las pirámides, mastabas, speos e hipogeos egipcios; los templos griegos; las grandes mezquitas, sinagogas y catedrales del medievo (…) son ejemplos de la primera clase de estructuras. Todos ellos están pensados para sobrevivir al hombre y durar “para siempre” en tanto que pretenden ser un reflejo en la tierra de un ente todopoderoso superior. Es por eso también que generalmente emplean un cánon superior al de un edificio ordinario, con enormes distancias desde el suelo a los techos, puertas descomunales y gigantes columnas que hacen sentirse pequeño y ridículo al visitante en comparación de la grandeza de la deidad que habitaba el lugar.

Son edificaciones que impulsan la arquitectura hacia nuevos niveles, reuniendo las técnicas y sistemas constructivos más avanzados (uso de piedra y minimización de las partes en madera para prevenir incendios o nuevas formas de distribuir las cargas que permiten erigir bóvedas), muchas veces sirviendo de campo de experimentación, en tanto que son edificios destinados a sobrevivir ya no sólo a los hombres que los construyen, sino a todas las inclemencias del tiempo y desastres naturales. Por ejemplo, el gran avance del Gótico frente a su antecesor, el Románico, radica en un innovador sistema constructivo que mediante arbotantes permite aligerar las cargas que soportaban los muros de las catedrales. Esos arbotantes derivan los empujes a contrafuertes exteriores y permiten adelgazar los gruesos muros románicos (que tenían estas características por su función sustentante) posibilitando la apertura de enormes ventanales que, cubiertos por vidrieras de mil colores, convierten los templos en auténticas cajas de cristal donde el muro queda con una mera presencia testimonial como en la Sainte-Chapelle de París.

Una vez que los avances arquitectónicos se consolidan en los edificios destinados a durar será cuando den el salto a la arquitectura perecedera. Y dentro de esta otra clase de estructuras, encontramos la mayoría de construcciones civiles y residenciales. De las más antiguas civilizaciones (Mesopotamia, Egipto, Grecia, Roma) sólo tenemos prácticamente restos de palacios y templos, mientras que muy pocas viviendas se han conservado. El templo y el palacio eran la representación arquitectónica del poder religioso y político, pero las viviendas simplemente eran eso, simples y llanas viviendas. Por eso se realizaban en paja y adobe (Mesopotamia y Egipto) o, además, usando ladrillo (Grecia y Roma). Eran edificios que no estaban pensados para durar, y por ello si eran destruidos podían volver a ser levantados con una inversión relativamente baja. Esta es la simple razón de que, después de miles de años de guerras y conflictos, sólo hayan resistido a ellos las estructuras más “duras”.

Conforme han ido avanzado los siglos, esa dualidad entre edificaciones durables y no-durables se ha ido difuminando, hasta que en el Renacimiento se suman a la categoría de construcciones destinadas a sobrevivir la mayoría de edificios civiles (ayuntamientos, lonjas, almacenes municipales) en tanto que son la expresión de un nuevo poder emergente: la burguesía urbana. Con el siglo XIX serán otros edificios los que pasen a engrosar esa categoría: estaciones de ferrocarril, puentes, grandes obras de ingeniería y una nueva categoría de edificaciones civiles (parlamentos, senados, museos), en tanto que vuelven a encarnar los nuevos poderes del incipiente capitalismo y la democracia.

Grand Central Station, Nueva York 1934

Con la entrada del siglo XX ese dualismo se pone patas arriba, y hacia 1950 en occidente ya no se distingue entre edificios duraderos y no-duraderos. Las construcciones residenciales comienzan a elevarse con novedosas técnicas arquitectónicas que las hacen prácticamente indestructibles y destinadas a durar para sobrevivir por muchísimos años a sus moradores: rascacielos, edificios antisísmicos…

Pero, dentro de esa corriente que arranca a finales del siglo XIX en la que todo se construye para ser permanente, destacan con fuerza las pocas estructuras que se constuyen específicamente con caracter temporal, y, en muchos casos, de forma que puedan ser desmontadas fácilmente. Cuatro de ellas destacan porque, pese a su idea inicial de ser temporales, han conseguido cambiar su estatus al de permanentes.

La Torre Eiffel

Levantada por el ingeniero francés Gustave Eiffel en 1889, es el edificio paradigmático de las estructuras temporales que terminaron convertidas en permanentes. Sus 330 metros de alto están logrados mediante una infinidad de piezas de hierro pudelado unidas mediante remaches que la hacían perfecta para ser desmantelada al final de la Exposición Universal de 1889 en París, de la cual no era más que la atracción estrella como pudo ser el monoraíl de la Expo’92 de Sevilla (¿alguien lo recuerda hoy? fue desguazado en cuanto acabó la Expo, y su vehículo presta servicio actualmente en un centro comercial de Zaragoza). Pero la inicialmente llamada “torre de 330 metros” se acabó ganando el corazón de los parisinos (y el indulto) tras cosechar nada menos que dos millones de visitantes durante el periodo que duró la Exposición, con casi 30.000 visitantes subiendo a pie por las escaleras hasta la zona superior en su primera semana con los ascensores aún no operativos.

El Palacio de Bellas Artes de San Francisco

Construido como atracción para la Exposición Internacional Panamá-Pacífico de 1915, fue diseñado por Bernard Maybeck como una construcción monumental inspirada en la arquitectura griega y romana, ubicada junto a un lago y paseos ajardinados que albergaría las obras de arte de los países y territorios representados en la Exposición. A la clausura del certamen, en el cual formaba parte junto con otros nueve palacios (Educación, Artes Liberales, Manufacturas, Industrias Varias, Agricultura, Alimentación, Transporte, Minas y Metalurgia, Maquinaria) del cuerpo arquitectónico construido ex profeso, se plantea su derribo junto con los otros nueve edificios. Con lo que no contaban los organizadores fue la Liga de Preservación del Palacio, que removió Roma con Santiago hasta conseguir que el edificio fuese indultado. Sobrevivió en estado original hasta 1964 sirviendo desde de parque de bomberos hasta central telefónica o parking de limusinas de los jefes de estado de la ONU, para ser finalmente derruido en ese año, salvándose su estructura metálica y reconstruyéndose en materiales más ligeros y durables con total detalle en base a moldes.

El Pabellón de Alemania en Barcelona

Más conocido simplemente como “el pabellón de Mies”, fue erigido por el famoso arquitecto Ludwig Mies van der Rohe como pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929, queriendo representar arquitectónicamente la vanguardia y modernidad de la nueva República de Weimar alemana tras el desastre que supuso para el país la Primera Guerra Mundial. Levantado en mármol blanco y negro, acero y cristal y con un mobiliario mínimo (las famosas “sillas Barcelona” del arquitecto, y unas cortinas rojas que junto al mármol negro y al amarillento crean una composición con el mismo cromatismo de la bandera de Alemania) ha terminado por convertirse en uno de los iconos del Movimiento Moderno arquitectónico. Aunque fue desmontado al finalizar la Exposición, se reconstruyó en 1986 utilizando los planos y materiales originales. Actualmente es sede de la fundación que lleva el nombre del arquitecto y suele acoger exposiciones temporales y actos públicos.

London Eye

También conocido como “Millenium Wheel” (noria del milenio), London Eye fue construido entre los años 1999 y 2000 como conmemoración del nuevo milenio. En el momento de su apertura se convirtió con sus 135 metros en la mayor noria del mundo, rotando unos 26 centímetros por segundo (una rotación completa tarda aproximadamente 30 minutos) sin tener que parar para recoger pasajeros. Pese a haber sido autorizada su construcción con un permiso para su operación de tan sólo cinco años, las altas cifras de visitantes (8 millones y medio en los dos primeros años) consiguieron que London Eye se convirtiese en el símbolo de la modernidad de Londres, como en 1989 hiciese la Torre Eiffel con París. Es por ello que fue indultada y continúa en funcionamiento, pese a los cambios de patrocinadores y diferentes disputas económicas acaecidas en el seno de sus gestores.

Fuente: http://xombit.com

HidroAysén. Todo bien y todo mal a la vez.

2011-05-09T19:37:00.004-04:00

HidroAysén. Todo bien y todo mal a la vez.

Soy consciente que no podemos seguir derramando al mar, un recurso tan preciado y cada vez más escaso como lo es el agua. Por lo tanto necesitamos contener esas aguas, no solo las de Aysén sino todos los afluentes que sean factibles de intervenir, independientemente si es con centrales hidroeléctricas, pero si embalses, retenciones, tajamares, exclusas, etc. El asunto es recolectar y almacenar parte del agua de esos afluentes y aprovecharla al máximo, asegurar un suministro continuo a lo largo del año.

Años atrás visité – con tour incluido – el embalse e hidroeléctrica La Paloma y pude ver lo útil que es la contención de las aguas tanto en potenciación del ecosistema que rodea el embalse como los campos de cultivos (embalse y río abajo) que ven asegurado un suministro constante a lo largo del año, sin sequías que generen incertidumbres y sin perder la temporalidad de las estaciones – cosa tan balanceada -, en que se “suelta” más o menos caudal, pero caudal al fin.

Debemos si proteger el agua como un elemento de todos los chilenos y en especial de quienes viven en aquellos lugares, los inversionistas ganarán con la producción y venta de electricidad, pero las aguas señores, las aguas son del estado.

Lo desagradable son las torres con que se transporta esa energía al sistema interconectado central, tan desagradables como los parques eólicos con sus aspas, tan desagradables como las “plantaciones” de placas fotovoltaicas. Un desagrado visual que solo la ciudad, la urbe puede aceptar en su paisaje sin mayores problemas. Pero que estoy seguro, como un hecho innegable de la tecnología, esta avanzará hasta minimizar increíblemente esta polución visual y de espacio. Pero un lago, un embalse artificial, en fin, agua contenida. En ningún caso es una contaminación al ecosistema.

Si intervenimos para cuidar el agua, vamos por un buen camino, pues esta, almacenada en cantidades atrae vida, potencia ecosistemas, ayuda a frenar el problema de la desforestación, principal causa de las verdaderas heridas de la tierra y los suelos por erosión.

Si me parece muy, muy mal que toda la energía producida por una central ubicada en esta latitud sirva en gran parte – por no decir en su totalidad – a servir necesidades de la ciudad de Santiago. Eso me parece una abierta soberbia, discriminación, glotonería, mezquindad, y robo (descentralizadoramente hablando).

Muy mal me parece que personas ligadas al ordenamiento territorial, Urbanismo, Arquitectura, ecologistas varios (en su mayoría histéricos repetidores con ausencia de soluciones, sólo el “me opongo”), pongan el grito en el cielo por las 5.000 hectáreas que se inundarán entre quebradas con agua dulce (si, ese vital elemento) y hayan callado cobardemente, ni siquiera pronunciado, discutido, manifestado, etc. Por las 10.000 hectáreas que aumentó el radio urbano de Santiago.

¿Qué tiene que ver el radio urbano con HidroAysén?

Bastante que ver, al amparar – imprudentemente - que una ciudad se extienda y disperse en forma descontrolada, mayor es el gasto energético que Santiago demandará a la matriz. El valle de Santiago posee tierras y suelos de calidad 1 (los más fértiles) y hoy se encuentran bajo extensiones de poblaciones, condominios, malls, zonas industriales, etc.

Necesitamos urgentemente densificar esta ciudad caótica, insustentable y gritona (hay que ver como son de gritones ustedes los santiaguinos… es broma, que nadie se enoje) y ver la posibilidad remota de recuperar algo de aquellos suelos y fomentar la actividad agrícola, tan abandonada por la conciencia de ser “ciudad”.

La ciudad de Paris - 105,40 km² y 11.836.970 habitantes (2007) -, cabe 5 veces en el área geográfica de Santiago - 641,4 km² y 5.428.590 hab. (2002) -, es grave, muy grave el problema. Es hora de cambiar la cultura santiaguina (y sumándose aceleradamente Concepción y por contaminante Antofagasta y otras ciudades mineras) y comenzar a tomar conciencia del ahorro energético.

¿Cuál es la razón para qué malls sostengan ese gasto excesivo gasto en climatización e iluminación con el clima privilegiado que tenemos? Y así suma y sigue.

De lo contrario las demás regiones deberíamos presionar fuertemente a que se construyan centrales termoeléctricas dentro de Santiago y aislarlos de la matriz energética por contaminantes, mezquinos… y gritones.

Germán Zúñiga S.

25 años de Chernobyl - Documental

2011-04-25T19:21:00.009-03:00

25 años de Chernobyl

A través de imágenes no vistas hasta ahora y entrevistas a los principales implicados, nos sumergimos en el desastre nuclear de Chernóbil.

Fotografía aérea de la central (1986).

El 26 de abril de 1986 una prueba de seguridad en la central nuclear de Chernóbil provocó la mayor catástrofe nuclear de la historia. La explosión del cuarto reactor desencadenó una reacción en cadena que amenazó con provocar una segunda explosión aún más potente, diez veces más fuerte que la de Hiroshima y que habría afectado a media Europa.

A través de imágenes no vistas hasta ahora y entrevistas a los principales implicados, nos sumergimos en el desastre nuclear de Chernóbil.

El 26 de abril de 1986 una prueba de seguridad en la central nuclear de Chernóbil provocó la mayor catástrofe nuclear de la historia. La explosión del cuarto reactor desencadenó una reacción en cadena que amenazó con provocar una segunda explosión aún más potente, diez veces más fuerte que la de Hiroshima y que habría afectado a media Europa.

Labores de limpieza y construcción del sarcófago, estructura diseñada para contener la radiación liberada (1986).

La crisis en la central nuclear de Fukushima en Japón a consecuencia del terremoto y el tsunami ha puesto de actualidad el debate sobre la seguridad en las centrales nucleares. Hace 25 años tenía lugar el desastre en la central de Chernóbil, el impacto del accidente sobre la salud de las personas y el medio ambiente continúan, en la actualidad ocho millones de personas viven contaminadas en las áreas de Ucrania, Rusia y especialmente en Bielorrusia. La producción de energía nuclear genera una gran cantidad de residuos radiactivos muy peligrosos y difíciles de gestionar.

Algunos de los 600.000 liquidadores: bomberos, obreros y voluntarios que se encargaron de apagar los incendios y construir el sarcófago (1986).

Cuando se cumplen 25 años del accidente nuclear de Chernóbil La Noche Temática revive el desastre y nos acerca al problema de los residuos nucleares.

Otros accidentes en centrales nucleares:

8 abril de 2008.- Al menos dos muertos por una fuga de gas en la central nuclear de Khushab (Pakistán) por la que fue evacuada la población en un radio de 16 kilómetros.

9 agosto de 2004 .- Cinco trabajadores mueren a consecuencia de un escape de vapor en la sala de turbinas de uno de los reactores de la planta nuclear de Mihama (Japón).

6 abril de 1993.- La explosión de un contenedor lleno de una disolución de uranio en la planta secreta de Tomsk-7 (Siberia, Rusia), dedicada al reprocesamiento de combustible nuclear, ubicada a 20 kilómetros de la ciudad de Tomsk (500.000 habitantes), contaminó unos 1000 kilómetros cuadrados.

30 septiembre de 1999 .- Una fuga de uranio en una central de combustible nuclear de la empresa JCO en Tokaimura (Japón) provoca la muerte de dos operarios y otras 438 personas resultan afectadas por las radiaciones.

13 de septiembre de 1987.- Un accidente radiactivo provocado por la contaminación una cápsula de cesio-137 en la ciudad brasileña de Goiania causa cuatro muertos y 240 heridos.

26 de abril de 1986.- La explosión de un reactor en Chernóbil (Ucrania) causa el mayor accidente nuclear de la historia. Fueron arrojadas a la atmósfera unas 200 toneladas de material fisible con una radiactividad equivalente a entre 100 y 500 bombas atómicas como la que fue lanzada sobre Hiroshima. Según los expertos ucranianos, Chernóbil se cobró la vida de más de 100.000 personas en Ucrania, Rusia y Bielorrusia -los países afectados por la catástrofe-, cifra que organizaciones ecologistas, como Greenpeace, elevan hasta 200.000

8 marzo de 1981 .- Fuga de agua radiactiva procedente de la planta de Tsuruga (Japón), no dada a conocer hasta seis semanas después, a la que quedaron expuestas 300 personas.

7 agosto de 1979.- Un millar de personas resultaron contaminadas por la radiación emitida por una central secreta cerca de Irwin (Tennessee, EEUU).

28 marzo de 1979.- Una serie de fallos humanos y mecánicos causan el peor accidente nuclear de EEUU, en la central de Three Mile Island, en Harrisburg, Pensilvania. Miles de habitantes fueron evacuados ante la nube radiactiva que se formó, de unos treinta kilómetros cuadrados.

3 enero de 1961.- Tres técnicos de la Armada estadounidense mueren en la planta de Idaho Falls, en un accidente con un reactor experimental. Fue el primer accidente nuclear en EEUU.

7 octubre de 1957.- El incendio en un reactor de la planta nuclear de Windscale-Sellafield en Liverpool (Reino Unido), produce una fuga radiactiva que contaminó un área de 300 kilómetros cuadrados.

30 septiembre de 1957.- Una explosión en la central secreta de Chelliabinsk-40, conocida como Mayak, en los Montes Urales (la antigua URSS), causa al menos 200 muertos y contamina 90 kilómetros cuadrados con estroncio. Fue el segundo peor accidente nuclear después del de Chernobil (1986). Un total de 10.000 personas fueron evacuadas y decenas de miles quedaron expuestas a la radiación.

12 de diciembre de 1952.- El primer accidente nuclear serio tiene lugar en la planta de Chalk River, en Ottawa (Canadá), al fundirse parcialmente el núcleo, sin causar daños personales. En mayo de 1958, un incendio en esa planta produjo una fuga radiactiva.

1. "La batalla de Chernóbil"

'La Noche Temática' inicia su emisión con el documental 'La Batalla de Chernóbil', una producción francesa de 2006 dirigida por Thomas Johnson que nos relata la lucha contra la radiactividad.

El 26 de abril de 1986 una prueba de seguridad en la central nuclear de Chernóbil provocó la mayor catástrofe nuclear de la historia. La explosión del cuarto reactor desencadenó una reacción en cadena que amenazó con provocar una segunda explosión aún más potente, diez veces más fuerte que la de Hiroshima y que habría afectado a media Europa. Un secreto que los soviéticos ocultaron veinte años. Durante 8 meses, unos 800.000 hombres trabajaron a contra reloj para acabar con la radiactividad construyendo un sarcófago alrededor del reactor explosionado.

Hoy en día, la zona de Chernóbil sigue siendo inhabitable y 8 millones de personas viven contaminadas en las áreas de Ucrania, Rusia y especialmente en Bielorrusia. Durante 20 años, han vivido rodeados de radiactividad y los alimentos que consumen se cultivan en tierras contaminadas. Entre los años 1986 y 2001 unos 1.152 niños fueron operados de cáncer de tiroides en el centro especializado de Minsk . Ninguna estadística se ha hecho pública y se sigue ocultando información sobre las consecuencias de la radiactividad.

2. "La pesadilla de los desechos nucleares"

La Noche Temática cierra su emisión con el documental 'La pesadilla de los residuos nucleares', una producción francesa de 2009 dirigida por Eric Gueret.

El documental presenta los resultados de una investigación sobre la gestión de residuos nucleares en EE.UU., Rusia, Alemania y Francia . Los autores Eric Guéret y Laure Noualhat estuvieron acompañados por los técnicos del laboratorio francés independiente de control de la radiación, CRIIRAD. Ellos han detectado y medido la radiación en muchos lugares como el río Columbia de EE.UU. o la fábrica de plutonio francesa llamada planta de reprocesamiento en La Hague.

La industria nuclear francesa asegura que el 96% de los materiales nucleares son 'reciclados' a través del sistema de reprocesamiento . ¿Dónde va el uranio de las centrales nucleares? La empresa AREVA declara que la mayor parte del uranio reprocesado es enviado a Rusia para enriquecerlo, sin embargo parece ser que la realidad es otra y que gran parte de este uranio queda depositado y sin ningún destino.

Contenedores con hexafluoruro de uranio procedentes de Francia fueron descubiertos dentro del territorio de Complejo Químico de Séversk, la factoría de reprocesamiento nuclear conocida con el nombre de Tomsk-7 . Al aire libre, sin protección. "Los contenedores llegaron por mar desde Le Havre hasta San Petersburgo y, desde allí, por tren. Se encuentran ahora al aire libre, sin ninguna protección, a menos de un kilómetro de una fila de edificios en donde vive gente", asegura Alexéi Tóropov, responsable regional de la Agencia Ecológica de Siberia (SEA).

Séversk, localidad situada a diez kilómetros de Tomsk, tiene una población de 120.000 habitantes y sigue estando considerada 'ciudad cerrada', como en la época soviética. Para acceder a ella hay que disponer de un pase especial, incluso para los ciudadanos rusos. La planta de Tomsk-7 fue en su día la mayor factoría del mundo para la producción de plutonio , elemento fundamental en la fabricación de bombas atómicas.

Su último reactor dejó de funcionar hace cinco años. Las autoridades rusas niegan que las vagonetas que hay en Tomsk-7 lleven en su interior residuos nucleares. El vicegobernador de la región, Serguéi Tochilin, llama 'materia prima' a lo que hay dentro de los contenedores .

El portavoz de Rosatom, la agencia nuclear rusa, Serguéi Nóvikov, sostiene que "el hexafluoruro de uranio no es un producto de desecho y se puede almacenar al aire libre como se hace también en EE.UU. y en Europa". Este traslado de materiales radiactivos plantea varias cuestiones: la seguridad de su transporte durante 8.000 kilómetros, la seguridad de su almacenamiento y la eficacia de su recuperación.

"Los hombres todavía están aprendiendo a manejar las poderosas fuerzas que han desatado”.
Mijaíl Gorbachov

(Citado en: ¡Despertad!, del 22 de abril de 1997)

Fuentes:
http://www.rtve.es/
http://englishrussia.com/index.php/tag/chernobyl/
http://es.wikipedia.org/
http://es.wikiquote.org/

Viaje al manto terrestre

2011-04-06T20:39:00.009-03:00

Viaje al manto terrestre

Todos los datos que poseemos sobre la constitución interna de nuestro planeta han sido obtenidos de forma indirecta. La Tierra tiene un diámetro de más de seis mil trescientos kilómetros, y nunca hemos podido penetrar más allá de los doce. Si queremos conocer más sobre el origen, formación y características del manto rocoso y la corteza sobre la que vivimos, necesitamos excavar mucho más profundo que eso. Se calcula que el manto terrestre se encuentra a unos treinta kilómetros por debajo de la corteza, y los científicos se preguntan si hay alguna posibilidad de que podamos hacer un agujero de semejante profundidad. Algunos creen que sí.

A pesar de lo que mucha gente supone, es muy poco lo que sabemos sobre el interior de nuestro planeta. Basándonos en su campo magnético, en la forma y a la velocidad en que se propagan las ondas sísmicas y a los indicios geológicos encontrados en la superficie, hemos sido capaces de deducir que la Tierra posee un núcleo sólido rodeado de otro líquido -ambos con un alto contenido ferroso- que giran debajo de una gruesa “cascara” formada por rocas. Encima de todo eso vivimos, construimos nuestras estructuras, criamos nuestros hijos y perecemos como moscas cuando un terremoto originado por algún reacomodamiento minúsculo de esa capa nos sacude un poco el piso. Es muy posible que parte de las teorías elaboradas por los científicos a lo largo de los últimos 100 años estén equivocadas. Hemos utilizado métodos indirectos para determinar la composición de la corteza terrestre, y es probable que en algún momento hayamos interpretado mal algún dato. Una de las formas de conocer exactamente sobre que estamos parados es cavar un hoyo lo suficientemente profundo, pero lamentablemente esta no es una tarea fácil.

Es muy poco lo que sabemos sobre el interior de nuestro planeta.

Para empezar, debe tratarse de un pozo realmente profundo. Se calcula que el manto terrestre -la capa situada inmediatamente sobre el núcleo- tiene grosor promedio de unos dos mil novecientos kilómetros, y que la corteza que se encuentra sobre ella (el sitio sobre el que te encuentras parado) posee un grosor promedio de unos 30 kilómetros. Los metales y piedras preciosas que se encuentran en el manto son muy buenos incentivos para cavar, pero no hay ninguna mina que haya superado los 3 o 4 kilómetros de profundidad. En los años sesenta, científicos estadounidenses decidieron realizar perforaciones en el lecho del mar, donde la corteza es más delgada. La idea era alcanzar los 4 kilómetros de profundidad, llegando a un punto que se conoce como la “discontinuidad de Mohorovicic”, la frontera entre la corteza y la capa situada a continuación: el manto. Era un buen lugar para intentarlo, ya que la corteza es bastante más delgada en el fondo de los océanos. Una vez concretada la excavación, se extraería un trozo del manto de la Tierra para examinarlo. Conocer la naturaleza de las rocas del manto nos permitiría comprender mejor la forma en que interactúan entre ellas y -tal vez- ayudarnos a predecir terremotos, erupciones volcánicas y otras calamidades.

El proyecto Mohole fracasó estrepitosamente.

El proyecto se conoció como “Mohole” (Agujero Moho) y fracasó estrepitosamente. Sumergir una perforadora cuatro kilómetros por debajo de la superficie del Océano Pacifico (cerca de la costa de México) y perforar unos 5.000 metros a través de las rocas no parece algo sencillo. Y no lo es. Un oceanógrafo que participó del proyecto describió el trabajo “como intentar hacer un agujero en una acera de Nueva York desde la azotea del Empire State utilizando un espagueti”. Después de muchas semanas de trabajo, solo se logró perforar unos 180 metros. El proyecto Mohole fue ridiculizado como “Proyecto No Hole” (No agujero), y 1966 el Congreso estadounidense lo canceló definitivamente. Los rusos recogieron el guante, y esperando superar a sus enemigos de la Guerra Fría, encararon con entusiasmo un proyecto similar. En lugar de intentarlo en el mar, eligieron un sitio en la península Kola, cerca de la frontera con Finlandia, y empezaron cavar intentando llegar al menos a los 15 kilómetros de profundidad. La tarea -nuevamente- resultó mucho más dura de lo esperado. Aún con la tenacidad que suelen tener los soviéticos, se dieron por vencidos luego de haber invertido 19 años para alcanzar la profundidad récord de 12.262 metros.

"A pesar de no haber alcanzado la profundidad prevista, el experimento  ruso sirvió para demostrarnos que -en realidad- sabemos mucho menos  sobre nuestro planeta de lo que nos parece".

A pesar de no haber llegado ni cerca del manto, esta excavación  proporcionó a los científicos varios datos interesantes. El estudio de  las ondas sísmicas indicaba que hasta una profundidad de 4.700 metros  encontrarían rocas sedimentarias, seguidas de 1.300 metros de granito y  -a partir de allí- basalto hasta llegar al manto. Sin embargo, la capa  sedimentaria resultó ser al menos un 50% más profunda de lo  pronosticado, y nunca se encontró la  capa basáltica. También se había  calculado que a los diez mil metros de profundidad se encontrarían con  una temperatura cercana a los 90°C, pero resultó ser superior a los 180°C.  Y para terminar de complicar todo, las rocas encontradas estaban  saturadas de agua, algo que nadie creía posible. A pesar de no haber  alcanzado la profundidad prevista, el experimento ruso sirvió para  demostrarnos que -en realidad- sabemos mucho menos sobre nuestro planeta de lo que nos parece. Medio siglo ha transcurrido desde que se realizó esta excavación, y los geólogos Damon Teagle del Centro Nacional de Oceanografía de Southampton, Inglaterra y Benoit Ildefonso  de la Universidad de Montpellier en Francia, creen que ya es tiempo de  intentarlo nuevamente. Saben que, a diferencia de las veces anteriores,  ahora tenemos la tecnología necesaria para lograr el éxito.

No tenemos demasiadas certezas sobre lo que se encuentra debajo de esto.

"Si pudiesemos recuperar muestras de las rocas del manto, podríamos hacer una mejor estimación de la composición de nuestro planeta y comprender mejor la forma en que funciona su interior. También tendríamos importantes pistas sobre como ha evolucionado”, dice Teagle. "Una muestra prístina obtenida unos 500 metros del manto podría contener las respuestas a estas cuestiones y mucho más", continúa. El plan de estos geólogos consiste en volver a intentar excavar en el lecho del Pacífico. La búsqueda de un sitio adecuado se iniciará esta primavera, y entre los más probables se incluyen las costas de Hawai, de Baja California y de Costa Rica. Una vez que el trabajo se ponga en marcha, demorarán entre 18 meses y 2 años para llegar al manto terrestre. Parte de la tecnología a utilizar proviene de la industria petrolera, que viene perforando el lecho marino desde hace décadas con bastante éxito. El sistema GPS, que no existía en 1960, servirá para mantener el buque en su lugar, permitiendo a los investigadores volver a encontrar el agujero cada vez que reemplacen las brocas, algo que deberán hacer cada dos o tres días de trabajo. Todo esto no quiere decir que vaya a resultarles fácil, ni mucho menos. Pero es posible que lo logren, y que conozcamos un poco más sobre nuestro planeta.

Visto en National Geographic
Fuente: http://www.neoteo.com

Cada cual con sus conclusiones... pero echar humo es malo donde sea.

2011-04-02T20:44:00.010-03:00

¿Por qué es ilegal la marihuana? (Historia de la criminalización de una planta)

A través de este ensayo histórico tal vez entenderás por qué la marihuana es ilegal, cuáles fueron los intereses detrás de esta medida, y por qué en la escuela intentaron inculcarte (sin éxito) la idea de que consumir cannabis es malo.

Probablemente tu eres una de las miles de personas que seguimos preguntándonos el por qué de la prohibición de la marihuana. Más allá de lo ridículo que resulta, si se mira objetivamente, el que los sistemas gubernamentales se hayan auto-asignado el poder de prohibir nuestra interacción con una planta, lo cierto es que si nos remitimos a los efectos de la cannabis en la salud física y social, la interrogante se vuelve aún más notable.

¿Por qué es ilegal consumir marihuana si múltiples estudios han confirmado que sus efectos son menos dañinos que los del consumo de tabaco para el organismo humano, y que sus consecuencias sociales son notablemente menos negativas que las del consumo de alcohol? ¿Por qué se prohíbe el cultivo de esta planta si esta comprobado que puede aportar múltiples beneficios desde un plano medicinal, hasta la manufactura de productos imprescindibles como el papel, la ropa, o incluso proveer de elementos necesarios para la construcción y la gastronomía?

A continuación repasemos algunos datos históricos que ponen en evidencia el valor que otorgaban las sociedades a esta planta previo a su prohibición. La mayoría de estos datos, que corresponden a Estados Unidos ya que este país fue el principal promotor de su prohibición a nivel mundial, pueden verificarse a través de fuentes de conocimiento tradicionalmente legitimadas como la Enciclopedia Británica, la cual por cierto durante 150 años fue impresa en papel de cáñamo:

- Todos los libros de texto escolares, en Estados Unidos, estaban impresos en papel de cañamo hasta 1830.

- Los primeros mapas, biblias, e incluso la constitución estadounidense fueron impresas con papel de cáñamo.

- En algunos estados el país era obligatorio el cultivo de cannabis en los siglos 16 y 17 debido a los enormes beneficios que esta planta implicaba como materia prima.

- El cáñamo fue fundamental para la navegación durante siglos ya que el 90% de las cuerdas que se utilizaban en esta práctica eran elaboradas con este material.

- Previo a la introducción del algodón en 1820, el 80% de la ropa y telas en general eran elaboradas a partir de esta planta.

- Los primeros registros de cultivo de cáñamo datan de hace por lo menos cinco mil años en la antigua China.

- La mayoría de las obras de Rembrandt, Van Gogh, Monet, y muchos otros, se pintaron sobre canvas hechos a base de cáñamo.

En 1916 el Departamento de Agricultura de EUA predijo que para 1940 todos los libros serían impresos en cáñamo lo cual implicaría que no se tendrían que talar más árboles.

Esta confirmado que una hectárea cultivada con cáñamo produce 4 veces más papel que el mismo área plantado con árboles, y que el proceso de extracción requiere de entre 4 y 7 veces menor esfuerzo en maquinaria lo cual se traduce a su vez en menor contaminación.

Algunas de las pinturas y barnices de mayor calidad eran elaboradas a partir de la semilla de la cannabis hasta 1930.

Henry Ford, fundador de la armadora de coches del mismo nombre, construyó su primero modelo de automóvil utilizando cáñamo como principal materia prima y estaba diseñado para operar con combustible también generado a partir de esta planta.

Criminalización

La criminalización de la marihuana en Estados Unidos tuvo sus primeros antecedentes en 1906, en el Distrito de Columbia, con la primer regulación en torno al cultivo de esta planta. Posteriormente siguieron Massachusetts (1911), Nueva York (1914) y Maine (1914). Mientras que en 1913 California pasó la primera ley de prohibición de marihuana y Wyoming (1915), Texas (1919), Iowa (1923), Nevada (1923), Oregon (1923), Washington (1923), Arkansas (1923), y Nebraska (1927) le siguieron. Ya en 1932 se creó el Uniform State Narcotic Act para invitar a los gobiernos estatales a que se unieran, sin excepción, a esta campaña nacional por criminalizar o al menos regular el uso de marihuana.

Cuatro años después, en 1936, durante la Convention for the Suppression of the Illicit Traffic in Dangerous Drugs llevada a cabo en Ginebra, Estados Unidos promovió ante el resto del mundo, a través de su Federal Bureau of Narcotics, un tratado de criminalización de cualquier actividad relacionada a la marihuana, la coca, y el opio (incluidas su cultivo, producción, manufacturación, y distribución) con excepción de contextos médicos y científicos. El Artículo 2 de esta convención invitaba a todos los firmantes a castigar severamente, en particular con penas que implicaran la privación de la libertad, a toda aquella persona que se involucrara con estas actividades neo ilícitas. Sin embargo, muchos países presentes se negaron a suscribir ciertos apartados del tratado y estados Unidos, principal promotor de la convención, se negó a firmar alegando la flaqueza del resto de las naciones sobretodo en asuntos relacionados a la extradición y la confiscación de bienes ligados al tráfico de drogas.

Al analizar la historia se puede percibir como un gesto bastante raro, incluso esquizofrénico, la transformación de posición estadounidense frente a la marihuana. Súbitamente Estados Unidos pasó de vivir un romance idílico con la cannabis, a promover enérgicamente su prohibición, castigo, y cuasi satanización. Sin duda existe un eslabón perdido que no aparece en la historia oficial y que tiene que ver con la presión de las corporaciones (esas abstractas y todopoderosas entidades que hoy controlan buena parte del planeta y que ya a principios del siglo XX comenzaban a consolidarse como una fuerza aún más influyente que el propio gobierno).

Corporaciones VS Cannabis

Como podemos ver la cannabis es una planta flexible, multifacética, y con diversas cualidades. A partir de ella se pueden generar desde combustibles y aceites comestibles, hasta ropa y todo tipo de telas, pasando por cuerdas y, por supuesto, papel. Sin embargo, precisamente estas bondades de la planta eran las que más incomodaban a las corporaciones que estaban monetizando frenéticamente mercados como el del abastecimiento de papel industrial, el algodón, y los hidrocarburos. Al parecer, en un principio fueron principalmente dos corporaciones las que se volcaron por completo para promover la prohibición de esta planta: DuPont y la Hearst Company (propiedad de William Randolph Hearst en quien se inspiró el film de Citizen Kane).

El banquero Andrew Mellon, quien se convirtió en el tesorero del gobierno del presidente Hoover, era uno de los principales inversionistas de DuPont, actualmente una de las mayores corporaciones del mundo y que en la época de 1920 a 1940 estaba consolidándose en el negocio de los petroquímicos y de los polímeros. Para ambas ramas de mercado el cannabis resultaba una seria amenaza pues de esta planta podían derivarse tanto fibras naturales que redujeran el consumo de nylon, uno de los productos clave de DuPont en esos años, como de combustible vegetal que amenazaba su apuesta por los hidrocarburos. En este sentido DuPont tenía claro que una de las premisas de su estrategia de mercado tenía que anular la presencia del cáñamo. Siendo Secretario del Tesoro Mellon influyó para que su sobrino Harry J. Anslinger fuese nombrado en 1930 como el primer comisionado Federal Bureau of Narcotics. Y a pesar de que el cabildeo en contra de la cannabis ya llevaba poco más de dos décadas lo cierto es que no fue hasta que Anslinger llegó al FBN cuando la verdadera guerra comenzó.

Por otro lado, la otra industria que se sentía gravemente amenazada por la presencia del cáñamo era la papelera. La Hearst Company controlaba buena parte de la producción de papel e incluso era el principal proveedor del área de productos de papel de la hoy multinacional Kimberly Clark. Hearst, un despiadado hombre de negocios no tardó en darse cuenta, al igual que DuPont, de la necesidad de eliminar al cáñamo del mercado y junto con otros empresarios presionaron al gobierno, a través del FBN para que se criminalizara por completo el cultivo de esta planta. Incluso Hearst, el legendario magnate de los medios impresos, puso a disposición su ejército de diarios para promover una campaña cultural en contra de la cannabis y como parte de esta iniciativa se adoptó por primera vez el nombre de marihuana, una palabra con fonética recordable, breve, y precisa para designar a esta ahora diabólica planta (por cierto un término que hasta entonces era solamente utilizado en el argot popular de México).

Otro actor que desempeñó un papel fundamental en este proceso fue la ya entonces consolidada industria del tabaco. En esa época la cultura americana ya había adoptado integralmente el consumo cotidiano de cigarrillos. Sin embargo, las grandes tabacaleras habían comprobado que el consumo de tabaco entre la población que fumaba cannabis era menor que en aquellos que solo consumían su producto. Por otro lado los fumadores de esta planta jamás de someterían a un mercado industrial ya que era relativamente fácil cultivarla caseramente y autoabastecer su consumo personal sin recurrir a una marca industrial. Por el contrario, la siembra de tacabo era mucho más compleja y requería de una extensión de tierra suficiente para cultivarse y no solo de un par de macetas. Tomando en cuenta esto, y ante el poco futuro comercial que se percibía en el rubro del cannabis, las grandes tabacaleras no dudaron en apoyar la cruzada en contra de la marihuana.

Finalmente no podemos dejar de mencionar a la siempre oscura industria farmacéutica, conocida como el Big Pharma, y que consciente de las propiedades medicinales que la marihuana ofrecía a la población también la percibió como una amenaza contra sus intereses comerciales. Se tienen confirmados múltiples beneficios médicos que contiene la cannabis, entre ellos el combate al glaucoma, el ayudar a la prevención de Alzheimer, y reducir el dolor del síndrome pre menstrual entre las mujeres, por mencionar solo algunos. Contra todos estos males el Big Pharma ha desarrollado medicamentos sintéticos que en muchos casos han probado ser menos efectivos, o al menos mucho más costosos que tratarlos con marihuana. De hecho esta misma postura de las farmacéuticas alude a un fenómeno actual con la campaña que busca volver ilegal el uso de plantas medicinales en Europa como sustituto de medicamentos.

Aunque no ha sido comprobado, se dice que Anslinger se reunión con algunos de los más poderosos empresarios del momento, entre ellos obviamente representantes de las tabacaleras, DuPont y el propio W.R. Hearst, para pactar una guerra frontal contra la marihuana y diseñar una campaña mediática que imprimiera el imaginario colectivo con una nueva idea: la marihuana es una planta nociva para la salud y para la sociedad, y su consumo, cultivo y distribución debe ser tenazmente descalificado, denunciado, y perseguido.

A continuación se instauró una de las mayores cruzadas de manipulación mediática en la historia. Decenas de diarios se empeñaron en desatacar los “horrores” de la marihuana y la población aprendió que esta planta era responsable directo de todo tipo de sucesos negativos, desde asesinatos y accidentes Automovilísticos, hasta la pérdida de moral. El cine mainstream también se unió a la campaña con Films como ‘Reefer Madness’ (1936), ‘Marihuana: Assassin of Youth’ (1935) and ‘Marihuana: The Devil’s Weed’ (1936), todas ellas promoviendo la satanización de la marihuana y, aunque lo hacían de una manera que hoy nos parece cómica o altamente caricaturesca, lo cierto es que fue una movida bastante eficiente para generar una percepción profundamente negativa entre la población. Básicamente el discurso giraba en torno a conceptos bastante rudimentarios pero que para la sociedad de ese momento fueron más que suficientes: “un narcótico violento”, “efectos multi-destructivos”, “un enemigo público”, etc…

Nuestros días

Poco tiempo tomó que la movilización mediática en Estados Unidos en contra de la cannabis comenzara a impactar a la población de otros países. Y esto, sumado a la dominante influencia política de EUA en el escenario internacional, derivó en que eventualmente la gran mayoría de los países fueron adoptando medidas y discursos similares. Con el tiempo la legislación anti-marihuana fue sofisticándose y endureciéndose, hasta nuestros días. Actualmente, si bien es ya prácticamente imposible convencer a una persona con los primitivos argumentos sobre los que originalmente se fundó la campaña de desprestigio contra la ganja, lo cierto es que el marco legal ha sido afinado para obstaculizar la posibilidad de legalizarla y también la propaganda ha sido “refinada” pero en ningún momento ha cesado (basta recordar las pasadas votaciones en California donde incluso en contra de todos los pronósticos no se logró legalizar).

Propaganda para desprestigiar la Propuesta 19 que estuvo cerca de legalizar la marihuana en California (Noviembre 2010).

Pero también con el tiempo se sumo un nuevo personaje a las lúgubres agendas detrás de la criminalización de la marihuana: la enorme cantidad de dinero generada a través del narcotráfico. Y sin ir tan lejos como considerar algunas teorías que afirman que detrás de este mercado a fin de cuentas se encuentra una monumental red de lavado de dinero orquestada a partir de instituciones como la CIA o el vaticano, lo cierto es que en un sistema completamente volcado al mercado, en donde la conveniente o nociva naturaleza de un fenómeno social o medioambiental se mide exclusivamente a partir de un criterio financiero, resulta objetivamente obvio que el gran mercado de drogas alrededor del mundo a fin de cuentas no debe de molestar a los principales promotores de este sistema: gobiernos, corporaciones, e instituciones religiosas.

Las radiografías históricas en torno a la criminalización e la marihuana, como la que acabas de leer, tal vez no contribuirán significativamente a que se rediseñe la posición legal frente a esta planta, pero al menos si favorecen el equilibrio en la percepción cultural que hemos forjado a través de lo que nos enseñan en la escuela, en las cínicas campañas anti-drogas, y en las películas mainstream. Y en todo caso, la próxima vez que te cuestiones cómo es posible que la marihuana sea ilegal, tu pregunta ya no quedará sin respuesta.

Más información:

Legal history of Cannabis in the US

The Marijuana Conspiracy – The Real Reason Hemp is Illegal

Marihuana presidencial: 1 de 4 presidentes de EU han usado cannabis

Fuente:

http://pijamasurf.com

Proyecto Tsunami

2011-03-27T20:04:00.004-03:00

Proyecto Tsunami

Del 11 de marzo de 2011, Japón se vio afectada por el terremoto más grande de su historia. Todos hemos visto casi en directo de la catástrofe, y todos estamos afectados por esta tragedia de proporciones históricas, cuyas consecuencias aún no están claros en la actualidad. Si los números no están definidos, todos sabemos que las personas que viven esta situación necesitan ayuda ahora. CFSL comunidad se compromete y apoya a las víctimas del terremoto por la acción de sus miembros, ya sean ilustradores o escritores.

Tsunami, le projet.
Le 11 Mars 2011, le Japon était touché par le séisme le plus important de son histoire. Nous avons tous été témoins presque en direct de la catastrophe, et nous sommes tous touchés par ce drame d’une ampleur historique, dont les conséquences restent encore floues aujourd’hui. Si les chiffres sont indéfinis, nous savons tous que les personnes qui vivent cette situation ont besoin d’aide maintenant. La communauté CFSL s’engage donc, et soutient les victimes du séisme par l’action de ses membres, qu’ils soient illustrateurs, ou scénaristes.

La información esencial para los autores está en la página "¿Cómo participar?":
http://cfsl.net/tsunami/

Muere el baterista de jazz Joe Morello

2011-03-17T21:18:00.003-03:00

Muere el baterista de jazz Joe Morello

Una de las leyendas del jazz estadounidense, Joe Morello, murió el sábado en su casa de Nueva Jersey, Estados Unidos, a los 82 años, según dio a conocer su familia este domingo.

Morello, baterista, destacó por su dominio de  los ritmos impares y formó parte del Cuarteto de Dave Brubeck en  grabaciones clásicas  como "Take Five" y "Blue Rondo a la Turk".
Nació en Springfield, Massachusetts, y en un  principio estudió violín -llegando a actuar como solista con la Orquesta  Sinfónica de Boston con solo nueve años-  antes de volverse baterista  en la adolescencia.

http://www.bbc.co.uk

Joe Morello - 1961 Drum Solo

"Mucha gente considera la sección de ritmos de Eugene Wright (bajo) y Joe Morello en mi cuarteto como una de las más sólidas del jazz", dijo Brubeck en un comunicado enviado por correo electrónico a The Associated Press. "Los percusionistas de todo el mundo recuerdan a Joe como uno de los más grandes bateristas que hemos conocido".

La decisión de Morello de unirse al cuarteto de Brubeck en 1965 allanó el camino para que el líder de la banda pudiera experimentar con ritmos inusuales en una serie de álbumes innovadores llamados "Time", publicados a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, que le ganaron el reconocimiento del público y la crítica.

"Joe fue pionero de los ritmos impares y parte vital de la serie "Time" que el cuarteto grabó con Columbia Records", dijo Brubeck. "Su solo de batería en 'Take Five' aún se escucha en todo el mundo".

Dave Brubeck Quartet - Take five (1961)

Modern Drummer prepara para Julio, 2011 una completa reseña de la vida, tecnicas y material gráfico para honrar a este inigualable y único músico.

St Patricks Day - 2011

2011-03-17T19:34:00.002-03:00

Feliz día a la colonia... o "salud" mejor dicho... o escrito... o cheers, o salute...

No olviden pasar por acá:
http://www.st-patricks-day.com/